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El universo Spider-Man de Sony crecerá con la película sobre el vampiro Morbius

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Morbius

Mientras Marvel aprovecha al superhéroe cedido con 'Spider-Man: Homecoming', en Sony no pierden el tiempo y comienzan a preparar el regreso de trepamuros en algún momento del futuro con proyectos como 'Venom' y Gata Negra, los spin-off del personaje que están desarrollando, y ahora hay que añadir otro más, según THR sería una película en solitario de 'Morbius, el vampiro viviente'.

Burk Sharpless y Matt Sazama, los guionistas de la última 'Power Rangers' (2016), están trabajando en el guion del filme, que han enviado a Sony después de un proceso de desarrollo secreto. La pareja creativa ha trabajado en películas fantásticas tan dudosas como 'Drácula. La leyenda jamás contada' (Dracula Untold, 2014), 'El último cazador de brujas' (The Last Witch Hunter, 2015) y la chapucera 'Dioses de Egipto' (Gods of Egypt, 2016).

Morbius Vs Spider Man

Parece que las ganas de ver 'Venom', podrian haber animado a Sony a seguir con una senda de terror en sus villanos, pero la verdad es que el currículum de los guionistas no invita a ponerse a dar palmas.El personaje de Morbius apareció por primera vez en ‘Amazing Spider-Man número 101’, el primer número no escrito por el co-creador del hombre araña. El personaje es un científico que sufría de una rara enfermedad de la sangre e intentó curarse a sí mismo con resultados desastrosos.

Se convirtió en una especie de vampiro con una gran sed de sangre, le salieron colmillos y tenía súper fuerza. De villano convirtió en una figura (anti) heroica del universo Marvel. Dado el interés de Sony en estos personajes oscuros, otros villanos podrían dar el salto podrían ser Misterio o Kraven el cazador. De momento 'Venom' llegará a las salas de cine el 5 de octubre de 2018.

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Los 19 momentos más alucinantes del universo cinematográfico DC (hasta ahora)

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Dceu

Se hace raro poder afirmarlo después del caos que ha rodeado las últimas fases de su producción, los relevos en la dirección, los reshoots y los problemas con el mostacho de Henry Cavill pero, al fin, 'Liga de la Justicia' está a punto de desembarcar en nuestras salas de cine.

La llegada del supergrupo por antonomasia de Detective Comics viene precedida de la decepcionante 'Escuadrón Suicida' y de tres estimables largometrajes que siempre defenderé a capa y espada como son 'El hombre de acero', 'Batman v Superman' y 'Wonder Woman'. Cintas que, además de servir de antesala al primer gran crossover del DC Extended Universe, nos han reglado un buen puñado de momentos espectaculares que recordaremos en las próximas líneas.

La destrucción de Krypton ('El hombre de acero')

A excepción del incómodo de ver cómo Zod y sus secuaces son exiliados del planeta natal de Kal-El a bordo de unas aeronaves con una más que evidente forma de pene, hay que reconocer que el prólogo de 'El hombre de acero' ambientado en Krypton es una auténtica maravilla en cuanto a diseño de producción respecta. Mención especial para el momento de su destrucción, tras la cual se revela la cápsula que transporta al recién nacido destinado a convertirse en Superman.

El rescate en la plataforma petrolífera ('El hombre de acero')

La primera gran demostración de poder de Clark en 'El hombre de acero' ayuda también para describir su naturaleza innata de héroe sin necesidad de vestir su mítico traje azul y rojo. Tras ver ardiendo la plataforma petrolífera, Kent no se lo piensa dos veces y se lanza al rescate de los supervivientes, sosteniendo la gigantesca estructura metálica en una secuencia espectacular.

El primer vuelo de Superman ('El hombre de acero')

Uno de los momentos más emocionantes de la primera aportación de Zack Snyder al DCEU tiene como eje central el primer vuelo de Superman. La voz en off de Russel Crowe dando vida a Jor-El, los compases de la espléndida banda sonora de Hans Zimmer y la solemnidad de la escena son capaces de ponerme los pelos de punta una y mil veces. Si en el 78 Richard Donner hizo creer a medio mundo que un hombre podía volar, en 2013 Snyder volvió a conseguirlo.

La pelea en Smallville ('El hombre de acero')

Con esta batalla entre Superman, Faora —interpretada por una imponente Antje Traue— y el resto de adeptos de Zod, Zack Snyder desplegó por primera vez su artillería y nos brindó un aperitivo de toda la destrucción que estaba por venir, esta vez en las calles de Smallville. El tren explotando para, más tarde ser utilizado como proyectil para destrozar el Sears sigue dejándome boquiabierto cada vez que lo veo.

La destrucción de Metrópolis ('El hombre de acero')

El general Zod ha puesto en marcha su dispositivo para terraformar nuestro planeta y la ciudad de Metrópolis está siendo la primera víctima de su poder. Como no podía ser de otro modo, la consecuencia de esto es, como diría los Megadeth, una auténtica sinfonía de la destrucción con gente huyendo despavorida, rascacielos colapsando, fuego, cristal, metal y muerte por todas partes.

La ejecución de Zod ('El hombre de acero')

Sin lugar a dudas, una de las decisiones más controvertidos de 'El hombre de acero' fue la de hacer matar a Superman. Su víctima fue el general Zod, a quien Kal-El rompe el cuello para evitar que asesinase a un grupo de inocentes para, después de la ejecución, lanzar un desgarrador grito de rabia y desesperación. Si tenemos en cuenta que esta escena viene precedida de una de las mejores peleas que ha visto el cine de superhéroes, su aparición en esta lista está más que justificada.

El asesinato de los Wayne ('Batman v Superman')

La muerte de Thomas y Martha Wayne a manos de Joe Chill en el Callejón del Crimen ya forma parte del imaginario colectivo, y no era en absoluto necesario volver a repetirla para comprender la génesis del hombre murciélago. No obstante, Zack Snyder se sacó de la manga esta fantástica secuencia de montaje incluida en los créditos de 'Batman v Superman' para recordarnos el trágico evento de forma inmejorable y haciendo gala de un poderío visual marca de la casa.

La persecución a bordo del Batmóvil ('Batman v Superman')

El nuevo batmóvil de Bruce Wayne es una auténtica maravilla, a medio camino entre el Tumblr de la trilogía del Caballero Oscuro de Christopher Nolan y el coche deportivo más ostentoso. Con semejante planta, su puesta de largo tenía que estar a la altura, y tuvo como excusa esta persecución a toda velocidad y repleta de acción que terminó con el primer e imponente cara a cara entre el Batman de Ben Affleck y el Superman de Henry Cavill que hemos visto en pantalla grande.

La pesadilla de Bruce ('Batman v Superman')

El caótico montaje de la versión para cines de 'Batman v Superman' —solventado en el fantástico Ultimate Cut— hizo flaco favor a la inclusión de esta gran secuencia en el metraje final, pero la torpeza narrativa es compensada con creces por la fantástica ambientación de la pesadilla de Bruce en la que, además de ver una primera señal de la venida de Darkseid, descubrimos a un Superman con ejército propio al más puro estilo Injustice que pone los pelos de punta.

Batman contra Superman ('Batman v Superman')

El momento que muchos soñábamos con ver en acción real después de leer 'El regreso del Caballero Oscuro' de Frank Miller al final se materializó en una breve pero intensa pelea entre el cruzado enmascarado y el hombre de acero que nos dejó salivando. Sí, incluso cuando —abro el escudo antimisiles— ambos superhéroes descubren que sus madres se llaman Martha —pocos habíamos caído antes en el detalle— y Bruce ve a Clark finalmente como un igual y un posible aliado.

La pelea en el almacén ('Batman v Superman')

Desde los primeros pasajes de 'Batman v Superman' queda claro que el caballero oscuro que todos conocíamos ha cambiado ligeramente, lo cual se extiende a sus ahora brutales —y letales— técnicas de combate. Los traumas vividos durante su etapa de protector de Gotham le han convertido en una auténtica máquina de matar sin remordimientos, y eso se ve reflejado en la brutal pelea en el almacén, donde por primera vez se captura en cámara a la perfección el estilo de pelea de Batman.

La trinidad al completo ('Batman v Superman')

La aparición estelar de Wonder Woman durante la batalla con Doomsday hizo muy complicado resistirse a aplaudir, especialmente cuando Zack Snyder nos mostró por primera vez a la Trinidad de DC en todo su esplendor en un plano que bien podría haber sido la portada de un cómic. Ver a la amazona liderar la contienda y haciendo uso de su poder fue uno de los mejores fragmentos de toda la película.

La muerte de Superman ('Batman v Superman')

No existe figura mesiánica sin una muerte —y posterior resurrección—. La del bueno de Superman fue a manos —o garras— de Doomsday y ante los ojos de una destrozada Lois Lane que lloraba la muerte de su novio ante la alicaída presencia de Batman y de Wonder Woman que miraba al cielo recordando el sacrificio de Steve Trevor surcando los cielos durante la I Guerra Mundial.

El salto al tanque de químicos ('Escuadrón Suicida')

Cuando pienso en 'Escuadrón Suicida' tan sólo encuentro una serie de imágenes difusas en mi mente, destacando sobre todas ellas esta en la que la doctora Harleen Quinzel —antes de transformarse en Harley Quinn— salta a un tanque de residuos químicos como muestra de amor incondicional hacia el infame Joker. Oro ejemplo de la nociva relación entre ambos personajes coronada por un plano cenital en el que los colores rojo y azul envuelven a la pareja mientras se besa.

El entrenamiento de Diana ('Wonder Woman')

En esta secuencia de entrenamiento de la fantástica 'Wonder Woman' de Patty Jenkins no sólo encontramos una toma de contacto con la Diana guerrera, sino también con el mito de la mujer maravilla. Tras demostrar su buena mano en el campo de batalla enfrentándose a la Antíope de Robin Wright, la princesa desta todo el poder de sus bazaletes de la sumisión de forma involuntaria, dejando a su tía hecha polvo y al respetable con la mandíbula desencajada.

El callejón ('Wonder Woman')

Detrás de un tipo normal como Steve Trevor hay una gran mujer maravilla que, además, salva el día. Esta gran escena incide aún más en el cariz feminista de la cinta, y lo hace mezclando una breve pero bien ejecutada pelea con un toque de humor que le sienta de maravilla. Steve continúa descubriendo los secretos que puede ocultar la aparentemente frágil Diana y los agentes enemigos acaban conociendo a que sabe el puño de amazona.

La secuencia de las trincheras ('Wonder Woman')

Probablemente estemos ante la mejor secuencia de toda la película. Además de ver por primera vez a Wonder Woman en todo su esplendor, con su uniforme al completo y sin disfraz que valga, y de asistir a un espectáculo de primera categoría en cuanto a acción se refiere, este pasaje de las trincheras sirve para ahondar en la psique de la protagonista, en su evolución y en la comprensión del mundo que la rodea.

La despedida de Steve ('Wonder Woman')

El momento más emotivo de 'Wonder Woman' es este en el que Diana recuerda cuando más lo necesita las últimas palabras de Steve antes de dar su vida por un bien mayor. Después de ver cómo la amazona ha terminado procesando el significado del amor duele especialmente escuchar al militar decirle eso de "ojalá hubiésemos tenido más tiempo" mientras ella continúa aún aturdida.

La batalla contra Ares ('Wonder Woman')

Obviamente, el gran festival pirotécnico de la película en solitario de la mujer maravilla tenía que aparecer en esta lista. Si, puede que el uso del CGI sea algo exagerado, pero ver a Wonder Woman hacer uso de todas sus habilidades y herramientas para enfrentarse al mismísimo dios de la guerra es un auténtico placer. Y si además se utiliza la muerte de Steve Trevor para alimentar la furia y el poder de la amazona, mejor que mejor.

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'Hitman' probará suerte en televisión con una serie del creador de 'John Wick'

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Hitman

Hasta ahora la mayoría de adaptaciones de los videojuegos en Hollywood se habían hecho en forma de película, en buena medida porque los posibles beneficios económicos suelen ser mayores en la gran pantalla. El problema es que muchas de ellas no funcionaron como se esperaba de ellas, ni siquiera haciendo más de un intento, como sucedió en el caso de 'Hitman'. Quizá por ello Fox haya decidido cambiar de estrategia y ha empezado a trabajar en una versión televisiva de la misma contando con la participación del creador de 'John Wick'.

Por ahora, Derek Kolstad, creador de la franquicia liderada por Keanu Reeves al haber escrito los guiones de sus tres entregas -recordemos que la tercera llegará a los cines en 2019-, se ocupará de escribir el episodio piloto. A partir de ahí seguirá implicado como productor ejecutivo, pero se desconoce si también lo hará como showrunner de un proyecto que Hulu espera que se convierta en una de sus series estrella.

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La intención es seguir fielmente la mitología marcada por la saga original de videojuegos, cuya primera entrega se publicó allá por el año 2000. Desde entonces, las ventas de todos los que han ido apareciendo suman unas ventas totales a los 25 millones de unidades, por lo que los posibles espectadores están ahí y simplemente hay que hacer bien las cosas para captar su interés.

Por desgracia, las dos adaptaciones previas no llegaron a ser los bombazos que buscaba Fox y probablemente por ello decidió no seguir adelante con ninguna de las dos como franquicia. La primera se estrenó en 2007 y logró recaudar prácticamente 100 millnes de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de 24, ¡si hasta fue un éxito!

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De hecho, llegó a darse luz verde a una secuela que acabó cancelándose para realizar un lamentable reboot que llegó a los cines en 2015. Tampoco le fue mal en taquilla -costó 35 millones e ingresó 82 en su paso por cines-, pero no convenció ni a crítica ni a público, por lo que ahí se quedó la cosa. ¿A la tercera irá la vencida?

Vía | Deadline

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Llega la quinta temporada de 'Vikings' y esto es todo lo que nos espera

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Cuando en marzo de 2013, History Channel estrenó 'Vikings', muchos nos acercamos con curiosidad a una serie nacida de una cadena a la que no asociábamos precisamente con la ficción. Si alguna vez existieron los filtros amorosos, sus efectos debieron ser como los que provocaba esta serie. Nos sentimos atrapados por la historia, sublevados por unos personajes tan épicos como humanos, que sabían vivir de una forma tan brutal y apasionada que era imposible sentirse indiferente.

Ahora, tanto tiempo después, 'Vikings' ya se ha convertido en un clásico de nuestra era, del que esperamos con ganas sus nuevos capítulos. El 29 de noviembre se estrena su quinta temporada en Estados Unidos. El 6 de diciembre lo hará en España a través de TNT. Los eventos ocurridos al final de la cuarta entrega de episodios dan una nueva dimensión a las tramas que aterrizarán en unos días.

[[actualizacion: {"text":"Si no estáis al día con la serie, tened cuidado con los SPOILERS de los que hablaremos a continuación."}]]

El mundo saltó por los aires

Desde sus inicios, 'Vikings' tuvo un nombre y un apellido: Ragnar Lothbrock. El vikingo que se atrevió a retarse a sí mismo y a llegar hasta Inglaterra o París, poniendo en jaque a las civilizaciones supuestamente mucho más avanzadas.

Pero, como sabéis todos los seguidores de la serie, la cuarta temporada nos dejó un hecho tan impactante como inevitable. 'Vikings' debía seguir creciendo y evolucionando y, para ello, el viejo Ragnar, antaño vencedor de tantas glorias, tenía que apartarse a un lado y dejar sitio a la savia más joven. Con unos capítulos tremendamente dolorosos para los fans, vimos ese declive de Ragnar que concluyó en una muerte que nos habla de su sagacidad para trazar planes incluso cuando éstos pueden suponer su propia destrucción. Ragnar quería su venganza contra los ingleses y ésta sólo podía llegar si los jabatos grunían al oír el sufrimiento del viejo jabalí.

En una temporada complicada, como siempre que hay profundas transformaciones en una serie que ha trabajado durante tanto tiempo su propia mitología, la transición llegó. Y los hijos de Ragnar son ahora los protagonistas que nos llevarán con su drakkar hasta nuevos puntos de esa Edad Media tan retorcidamente adictiva. Lagertha o Floki han superado una criba que se ha llevado a algunos grandes personajes como Aslaug o el Rey Ecbert. ¿Qué pasará ahora?

La esperada quinta temporada de 'Vikings'

En primer lugar, hemos de destacar que, de nuevo, tendremos 20 capítulos que se emitirán con un parón intermedio. 'Vikings' se ha hecho adulta y es un ingrediente de lujo para una parrilla como la de History, que no duda en exprimir todo su potencial. De hecho, también sabemos que la serie ya ha sido renovada por una sexta temporada aún cuando esta quinta no se ha estrenado. Lo que nos explica la confianza del canal en uno de sus productos estrella.

Una de las novedades más interesantes de la nueva temporada es la llegada de un personaje al que ya se nos presentó en el final de la cuarta tanda, un avance que nos habla de la importancia y peso de su presencia. Se trata del obispo Heahmund, al que da vida Jonathan Rhys Meyers. La participación de Rhys Meyers se entiende también como una apuesta personal de Michael Hirst, el creador de 'Vikings', para quien es un actor fetiche con el que ya contó en otra serie histórica como 'Los Tudor'. Heamund, el obispo de Wessex, será, sin duda, uno de los grandes antagonistas de la temporada. En las pinceladas que la cuarta temporada nos regaló, apuntaba maneras, desde luego.

En esta línea, uno de los momentos más intensos que se prevé para la quinta temporada es el que viviremos a costa de la batalla de York que enfrentará a los dos titanes de la quinta temporada. Heamund, un obispo como no podemos imaginar ahora, pues pertenece a una época en la que los clérigos eran también guerreros y Ivar Sin Huesos, el hombre capaz de liderar a un ejército aún sin poder caminar. Como escenario de esta apoteósica confrontación, el equipo de producción ha reconstruido la que fuera la ciudad de la época, con sus callejuelas, sus carriles... en los exteriores del estudio.

Otra de las tramas que cobrará mucha importancia será la protagonizada por Floki, que iniciará uno de esos viajes de exploración por los que los vikingos ganaron tanta fama. Tal y como podemos ver en el vídeo de más arriba, publicado por History Channel, el personaje llegará hasta Islandia. Para ello contará con un valioso aliado, el guerrero Ketill Flatnose. El actor que le dará vida será Adam Copeland, un conocido "luchador" del mundo del wrestling, al que seguro que muchos recuerdan como Edge.

Bjorn también es un personaje que, al haber conocido desde los inicios de la producción, tiene nuestro más hondo cariño. Ahora que los hijos de Ragnar se disputan el lugar de honor en el liderazgo vikingo, Bjorn se apartará un tanto de las disputas centrales para seguir a la caza de su sueño: el descubrimiento de más y más regiones de un mundo que no es tan pequeño como los antiguos pobladores pensaban. Bjorn, con un grupo de guerreros, viajará hasta el desierto del Sáhara. Lo que supondrá, como el mismo Hirst ha explicado, una nueva paleta de colores y paisajes nunca vistos antes en la serie.

¿Y qué pasa con Rollo? El vikingo que se hizo cristiano, el que alcanzó un reino de manos de una princesa tan fiera como cualquier guerrera vikinga. Parecía que su futuro quedaba finalmente atado después de esa escapadita con sus antiguos camaradas. El fichaje del actor, Clive Standen, por parte de la serie de NBC 'Taken', hizo que muchos pronosticaran que su recorrido en 'Vikings' había concluido. Pero esto no sería así y, aunque durante los primeros capítulos de la temporada no podremos verlo, los rumores indican que Rollo sí tendrá presencia en esta nueva entrega de la ficción que le hizo tan popular.

Rollo, Lagertha, Ivar, Bjorn, Floki... Sí, a mí también me pasa. Es oír estos nombres y mi cerebro se sacude como unas castañuelas. Ya queda pero que muy poquito para poder reencontrarnos con ellos. ¡Larga vida a 'Vikings'!

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'Una razón para vivir', una inspirada pareja protagonista eleva el debut de Andy Serkis

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Una Razon Para Vivir

Ser el actor detrás de personajes tan fascinantes como Gollum de ‘El señor de los anillos’ (‘The Lord of the Rings’) o César de ‘El planeta de los simios’ (‘Planet of the Apes’) ha ayudado a que el público se familiarice con -al menos la voz- Andy Serkis. Sin embargo, su carrera va mucho más allá que eso -ojo, que a lo largo de su carrera como actor ha participado en casi 100 títulos- e incluso ha acabado probando suerte en la dirección.

En un principio se esperaba que su ambiciosa adaptación de ‘El libro de la selva’ ('The Jungle Book') fuese su primer largometraje, pero diversos retrasos han provocado que acabemos viendo antes ‘Una razón para vivir’ (‘Breathe’). Detrás de ese título casi más propio de una Tv Movie de poca monta encontramos un canto a la vida que se ve con agrado gracias principalmente al buen trabajo de sus dos protagonistas.

Las ganas de seguir adelante

Andrewgarfieldbreathe

‘Una razón para vivir’ nos cuenta la historia de Robin Cavendish, un hombre que enfermó de polio con apenas 28 años y como consecuencia de ello quedó paralizado de cuello hacia abajo y solamente era capaz de respirar con la ayuda de una máquina. Apenas le dieron unos meses de vida y él mismo tardó bien poco en desear la muerte por mucho que su mujer estaba embarazada cuando enfermó y dio a luz poco después.

Lo suyo ya no era vivir, sino simplemente sobrevivir, y ahí radicaba el problema. A nadie le gusta estar en un hospital, ya que las única buena noticia que vas a recibir es que te has curado -o estás camino de ello- y que pronto podrás abandonarlo. Para Cavendish no parecía existir esa opción, pero llegó un punto en el que optó por aceptar todos los riesgos asociados a intentar regresar a su casa en sus precarias condiciones.

Andrew Garfield And Claire Foy Breathe Movie

Hasta ahí, Serkis presenta la película inicialmente como un romance en el que Andrew Garfield y Claire Foy han de mostrarse al público como que están hechos el uno para el otro pese a que el ritmo quizá no sea el ideal para ello -a fin de cuentas, hay que llegar rápido hasta la enfermedad de él, el verdadero punto de comienzo de la historia-. Luego el drama gana intensidad y ambos han de ir amoldándose a la situación, siendo entonces cuando Serkis permite que lo negativo haga acto de presencia durante unos minutos.

Sin embargo, eso es algo que a Serkis únicamente le interesa para mostrar el punto más bajo en la vida de Cavendish y cómo es capaz de sobreponerse y llevar una vida plena en función de sus posibilidades. A partir de entonces sí que hay contratiempos, pero su dramatismo cada vez tiene menos fuerza ante la apuesta decidida de ‘Una razón para vivir’ por transmitir las ganas de vivir de su protagonista al espectador, dejando un poco a lado la lucha diaria por conseguirlo.

El optimismo de ‘Una razón para vivir’

Breathe Andrew Garfield Claire Foy

Esto da pie a que ‘Una razón para vivir’ sea una propuesta muy colorida en la que constantemente se intente avanzar en los progresos que se hacen para que su vida sea mejor dentro de sus posibilidades. La contrapartida es que así se evita que la película llegue a ser profunda en cualquiera de sus aspectos, ya que incluso la relación entre marido y esposa queda supeditada durante muchos minutos a la necesidad de mostrarnos las “hazañas” de Cavendish.

Lo curioso es que esto da al mismo tiempo más armas a su pareja protagonista para exhibir su talento -hay más variedad de situaciones a las que enfrentarse- pero también limita el alcance de sus interpretaciones. Esto se traduce en que ‘Una razón para vivir’ tiene suficientes virtudes para mantener tu atención e incluso acercarse a su objetivo de dar algo de calor al corazón de los espectadores, aunque a cambio cuando llegan los momentos más emotivos no llega a emocionar pero tampoco desentona.

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Al final uno no tarda demasiado en oler por donde van a ir los tiros y al menos Serkis consigue que ese detalle no nos moleste. Muchas veces suele decirse que lo importante es el viaje y eso aquí cuadra a la perfección con la propia motivación de su protagonista. Garfield está muy inspirado transmitiendo esas ganas de vivir y seguir mejorando, mientras que Foy también cumple con holgura como ese apoyo necesario para que la cosa no se venga abajo.

Es verdad que se aborda la vida de Cavendish desde una perspectiva quizá demasiado positiva tras abandonar el hospital, pero es que ‘Una razón para vivir’ no es una película de clips, en la que te enseñen una escena para ver cómo lo bordan sus personajes. Es una propuesta que busca la sensación general por encima de todo, sacrificando todo lo necesario para ello. ¿Podría haber sido mucho mejor? Sin duda, pero también un desastre edulcorado o dramático en exceso y esos errores los sortea.

En definitiva, ‘Una razón para vivir’ puede que coquetee con cierta fórmula asociada a películas pensadas para los Oscar pero a la hora de la verdad es un cálido y efectivo retrato de una historia no ya de superación, sino simplemente de seguir existiendo a tu manera pese a los obstáculos que surgen en tu camino. Por su parte, Serkis controla bien el tono -aunque en lo referente al manejo de la cámara es quizá demasiado funcional- y sabe cómo administrar el talento de sus dos protagonistas para que eso otorgue a la película la consistencia necesaria.

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'La gran enfermedad del amor (The Big Sick)', cuando la vida te da el material perfecto para una película

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La Gran Enfermedad del Amor (The Big Sick)

-Te voy a dar un consejo, Kumail. El amor no es fácil. Por eso lo llaman amor.

-No lo pillo.

-Yo tampoco. Pensé que si empezaba a hablar saldría algo inteligente.

Mientras Hollywood concentra sus esfuerzos en franquicias y blockbusters, como estrategia desesperada para combatir la pérdida de espectadores y el auge de las plataformas de streaming, los cineastas alejados de los grandes estudios están demostrando que todavía hay vida, hay mercado, para las producciones más modestas.

Nos encanta ir al cine para disfrutar de un gran espectáculo pero nuestra capacidad de asombro y curiosidad es limitada. ¿Salvar el mundo? ¿¡Otra vez!? Sin embargo, no nos cansamos de ver cómo se intenta salvar una relación, los personajes y sus conflictos se sienten más cercanos. Todos los años surgen pequeños grandes éxitos de taquilla y la sorpresa de 2017 en el trillado género de la rom-com es 'The Big Sick', título que como quizá sonaba un poco grave ha llegado a España como 'La gran enfermedad del amor'. Otra joya para la lista de "traducciones" memorables.

Una peculiar historia real, una comedia romántica diferente

Kumail Nanjiani y Zoe Kazan

Con más de cien años de cine, podemos pensar que ya lo hemos visto todo y desde luego hay ciertos clichés, arquetipos y esquemas que se repiten en los diferentes géneros. En las historias románticas, ya sean dramas, comedias o una mezcla, lo habitual es presentar a un chico o una chica cuya rutina cambia al conocer al amor de su vida, pero para estar juntos tienen que superar un gran conflicto que amenaza con separarles.

Puede ser un trauma, la distancia, una adicción o, en este caso, barreras culturales. En principio, 'The Big Sick' parece lo mismo de siempre, con la particularidad de que el protagonista es un cómico de origen paquistaní. Aunque Kumail lleva casi toda su vida en Estados Unidos y ha adoptado el modo de vida estadounidense, por completo, su familia no lo sabe (a veces recuerda a 'Master of None'). Y sigue actuando como si él fuera a seguir el "camino correcto": un matrimonio concertado con una joven paquistaní y musulmana.

Aquí surge el gran obstáculo en términos románticos. Kumail no está interesado en ninguna de las pretendientes que su familia le busca incansablemente; se opone al modo de vida musulmán y quiere ser libre para elegir pareja. Y así, un día, Kumail conoce a Emily, y aunque todo va sobre ruedas el conflicto cultural-racial se interpone entre ellos. Cuando parece que toda la cuestión se resume en Kumail superando este problema, surge "la gran enfermedad"...

Emily está hospitalizada, en coma, y Kumail tiene un obligado primer encuentro con los padres de ella, que están muy al tanto del problema que surgió en la relación de su hija. Es muy incómodo. Pero el protagonista no se rinde, se dispone a cambiar lo que va mal en su vida, y crear una situación donde pueda arreglar las cosas con Emily... En este punto conviene recordar que la película es una comedia, pero sobre todo que está basada en una historia real del propio Kumail Nanjiani.

Podría decirse que Nanjiani (conocido por 'Silicon Valley') hace de sí mismo, más o menos, mientras que Zoe Kazan interpreta a su esposa, Emily V. Gordon; Nanjiani y Gordon son los autores del guion y, básicamente, han convertido su historia de amor en la comedia indie del año. Con la esencial colaboración de, entre otros, Judd Apatow en la producción, Michael Showalter en la dirección y secundarios como Holly Hunter, Ray Romano, Aidy Bryant o Anupam Kher, una leyenda de Bollywood.

Sin ser una maravilla, 'La gran enfermedad del amor (The Big Sick)' destaca notablemente en su género

Holly Hunter y Ray Romano

En los detalles está la diferencia y esta película se siente única, fresca y auténtica. Podría haberse quedado en otra comedia romántica más pero las peculiaridades que le aporta la historia real, más el notable cuidado que han tenido con el guion para mantener el equilibro entre el humor y el drama, y un sensacional casting elevan este título muy por encima de la media. Es una de las películas más encantadoras y divertidas de 2017. Y tal como están las cosas, se agradece un retrato normal de personajes musulmanes, en situaciones y conversaciones cotidianas.

La escena sobre el 11-S es antológica. Kumail domina este personaje basado en su propia vida y las incómodas situaciones familiares, tanto con los padres de él como de ella, aportan momentos muy disfrutables. Parece sencilla pero hay mucho talento aquí. No me sumo a los que la ponen por las nubes aunque pocas películas (o series) me han hecho reír tanto este año. Lo que menos me convence es que, pese a todo, hay cierta comodidad en su estructura.

Es decir, sabes que todo se va a resolver y va a acabar bien, incluso sin conocer la historia verdadera. Como si la película tuviese permitido desviarse en ciertos momentos, lo justo para que resulte atípica, con la seguridad de que, al final del viaje, va a tirar por la ruta establecida y aparcar donde siempre. Claro, ha recaudado más de 50 millones de dólares (costó 5), quizá es el precio que hay que pagar para que el film independiente sobre tu vida tenga suficiente público para ser un éxito. Al menos no han arruinado el corazón de este estupendo entretenimiento.

Quizá necesitas ver el tráiler antes de decidirte a ver la película, ahí lo dejo, pero... ejem, te voy a dar un consejo. No lo veas o, al menos, no entero. Revienta momentos que son muy divertidos y es posible que descontextualizados pierdan su gracia. Déjate sorprender.

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'Las chicas del cable' vuelven a nuestras casas por Navidad: ya tenemos teaser de la temporada 2

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Cable

'Las chicas del cable' fue la primera serie española de Netflix y la compañía apostó a lo grande por ella. Su funcionamiento fue tan positivo -se convirtió en la tercera serie más maratoneada en España durante sus primeras 24 horas disponible- que la compañía no dudó en renovarla por dos temporadas más. La noticia ahora es que Netflix ha lanzado un teaser de la segunda para anunciar que su estreno tendrá lugar el próximo 25 de diciembre.

Heredera del espíritu 'Velvet', 'Las chicas del cable' llegó a Netflix el pasado 28 de abril con el lanzamiento de los ocho episodios que dieron forma a su primera temporada. Todo apunta a que la empresa ya tenía avanzadas las negociaciones con Bambú Producciones antes de anunciar su renovación, ya que es inhabitual en sus producciones que pase tan poco tiempo entre una temporada y otra.

Como era de esperar, el pequeño adelanto de más arriba no muestra gran cosa, pero sí que podemos ver a las protagonistas deshaciéndose de lo que parece un cadáver, ¿será ese el hilo conductor de esta segunda temporada? Netflix tampoco ha querido adelantar nada sobre su argumento más allá de que se verán obligadas a compartir un secreto que pondrá a prueba su amistad. Parece bastante claro qué es.... ¿pero y quién?

Entre las novedades destacan los fichajes de Ernesto Alterio y Andrea Caballo en personajes de los que aún no se sabe nada. Está claro que eso cambiará a medida que se intensifique la campaña promocional. Y es que la fecha elegida va a obligar a Netflix a medir muy bien cómo piensan hacerlo para convencer al público de ponerse a ver la serie en lugar de estar con su familia o dándose los típicos atracones de esas fechas...

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'Star Trek: Discovery' se despide hasta enero encontrando, por fin, su identidad

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Star Trek Discovery

El fracaso en encontrar una identidad propia para cualquier obra es uno de los principales talones de Aquiles de multitud de ficciones. Esta necesaria búsqueda por el no ser una más resulta en una espada de doble filo para las que pertenecen a un universo más amplio: ¿cómo ser una serie distinta y con ambiciones propias estando ambientada (y condicionada) en una franquicia con más de cincuenta años de historia?, ¿hasta que punto puede distanciarse de lo anterior sin perder el espíritu original?

Son preguntas que, sin duda, surgen cuando uno ve 'Star Trek: Discovery', la nueva entrega televisiva de la que es la franquicia de la space opera por excelencia. La serie, realizada para CBS All Access y que emite internacionalmente, incluída España, Netflix, se despidió el pasado domingo hasta el próximo enero tras alcanzar su noveno episodio, 'Into the forest I go'. Un episodio que nos deja con un gran cliffhanger y que, a su vez, nos da la excusa para ver cómo está evolucionando la nueva ficción trekkie.

Jason Isaacs

Uno de los grandes problemas a los que se ha enfrentado esta nueva exploración del universo trekkie viene, precisamente, por las expectativas creadas por parte del fandom. Casi como si pareciera una reimaginación a lo Battlestar Galáctica, está claro que no estamos ante el 'Star Trek' "de toda la vida". Tan claro que no han sido pocas las voces que prefieren, en este sentido, el homenaje que Seth MacFarlane le hace a la franquicia a través de 'The Orville'. También es verdad que esta diferenciación es buscada por parte de Alex Kurtzman y Brian Fuller, arquitectos, junto con Gretchen J. Berg, de 'Discovery'.

Si simplificáramos bastante, estas diferencias entre Discovery y el resto de la saga son meramente estéticas: desde el diseño de decorado, la iluminación, los uniformes, las dinámicas entre los personajes y el papel. Todo recuerda vagamente a la franquicia pero, a la vez, se muestra rupturista. Si escarbamos, observamos más distinciones: el toque de camaradería entre la tripulación, los discursos y decisiones perfectas del capitán... son asuntos que en esta nueva serie no tienen tanto peso, pero que poco a poco se van viendo.

ST Discovery

De hecho lo único que parece conservar de la tradición constante de (casi) todas las 'Star Trek' es la ambición por ir "a donde ningún hombre" ha ido antes. La exploración espacial: nuevos planetas y nuevos retos científicos adornados por la necesaria cháchara habitual incluso cuando la ciencia no era exactamente el fuerte de los primeros años de la saga.

Y esto es algo que busca esta nueva serie pero situándose en un entorno claramente bélico. Los primeros dos episodios nos ofrecen todo el trasfondo: cómo estalla la guerra con los klingon y las acciones que llevan a la desgracia a Michael Burnham (Sonequa Martin-Green). No es hasta 'Context is for kings', el tercer episodio, cuando comienza de verdad 'Star Trek: Discovery' y nos da una pequeña ración de lo que hemos catado durante décadas.

Star Trek esporas

La Discovery es una nave científica liderada por "un militar". Gabriel Lorca (Jason Isaacs) toma la decisión de "raptar" a Burnham porque la cree vital no para los experimentos que desarrolla en la nave, sino para vencer a los klingons. ¿El gran experimento? un revolucionario motor de esporas con el que atravesar (saltar) distancias nunca antes imaginadas. ¿La pega? que eso implica usar a un ser vivo, un tardígrado al principio.

Poco a poco vamos teniendo episodios a los que no se les puede echar en cara que no estemos ante una serie de 'Star Trek', como "la toma" de la Discovery por parte de un visitante extraño o la odisea en el planeta Pathvos. Además, la serie se preocupa por desarrollar la cultura y la sociedad klingon, la pena es que esta subtrama no termina de encajar bien a pesar de ser relevante para lo que pasa en la nave.

Star Trek Klingon

Este último episodio, 'Into the forest I go', sigue caminando por los senderos ambiguos del capitán Lorca, al que parecen importarle más los resultados que los medios, aunque estos medios signifiquen destrozar a Stamets (un fantástico Anthony Rapp) en su papel de "navegante". La trama klingon alcanza también un punto cumbre, con la relación tormentosa entre Tyler (Shazad Latif) y su otrora captora L'Rell.

A lo largo de los nueve episodios vistos hasta ahora de 'Star Trek Discovery' hemos visto como la serie ha ido creciendo y reivindicando una identidad propia llevando a la franquicia al presente televisivo lleno de claroscuros, ambigüedades y, a su vez, una mayor dedicación de horas a la historia y a los personajes, que te van ganando poco a poco (desde Saru hasta Sylvia) y cuyas dinámicas marcan los ánimos de la serie.

Hay que reconocer que a 'Star Trek Discovery' le falta todavía un poco de empaque, dar todavía un par de pasos para darle mejor nota a ojos de los fans de la ciencia ficción... pero no le queda mucho. Es una buena serie, tiene intepretaciones sólidas y un buen guión. Hemos visto que la serie ha ido creciendo poco a poco hasta tal punto que es una de las series que más espero a comienzo de la semana. Ahora toca un parón hasta enero, habrá que ver si ese último salto que hemos visto en el episodio, sirve para dar ese paso que necesita la serie para consolidarse.

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Super Mario tendrá su propia película de animación de la mano de los creadores de Gru y los Minions

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Super Mario

Corren muy buenos tiempos para los fans de Nintendo y, especialmente, del fontanero bigotudo más famoso de la compañía nipona. Después de arrasar con el lanzamiento de esa maravilla titulada 'Super Mario Odyssey' vendiendo más de dos millones de copias en tan sólo tres días, acabamos de conocer que el personaje insignia de la "Gran N" volverá a pasearse por la gran pantalla después de la aberrante 'Super Mario Bros.' protagonizada por Bob Hoskins y John Leguizamo.

En esta ocasión, la adaptación de las aventuras del eterno salvador del Reino Champiñón será en clave de animación y correrá a cargo de Illumination Entertainment, artífices de 'Mascotas', '¡Canta!' o la multimillonaria franquicia protagonizada por Gru y sus Minions. La operación ha sido posible gracias a un acuerdo entre Nintendo y Universal—quien financia y distribuye los largometrajes de Illumination Entertainment— fruto de un año de negociaciones e impulsada por la relación comercial existente entre ambas empresas centrada en parques temáticos.

Mario

Sin duda alguna, esta ha sido una maniobra tan poco esperada como en absoluto habitual para una Nintendo que, a excepción del mencionado desastre en acción real estrenado en 1993 y de la fructífera franquicia de filmes animados de 'Pokémon', ha solido mostrarse recelosa en lo que a trasladar sus licencias al medio cinematográfico respecta.

Por el momento la producción se encuentra "en primeras fases de desarrollo" y aún no han trascendido más detalles sobre la misma, lo cual invita a pensar que aún pasará un buen periodo de tiempo hasta que comencemos a ver los primeros frutos de un proyecto que, a priori, y a juzgar por los equipos responsables tras él, se antoja de lo más prometedor.

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"No hay vuelta atrás": la temporada 2 de 'The handmaid's tale' ya tiene fecha de regreso

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Elizabeth Moss As Offred In The Handmaids Tale

Ha sido una de las series relevaciones de todo 2017. Ganadora de ocho premios Emmy, incluyendo Mejor serie, Mejor actriz principal para Elisabeth Moss, Mejor secundaria para Ann Dowd y Mejor estrella invitada para Alexis Bledel. Si todavía no sabéis de qué serie estoy hablando lo mismo habéis estado en una cueva durante este año ya que 'The Handmaid's tale' es de lo mejor que le ha pasado a la televisión en años con una primera temporada que adaptaba la novela de Margaret Atwood.

Hulu no sorprendió hace unos meses cuando renovó la adaptación de 'El cuento de la criada' por una segunda temporada. La serie creada por Bruce Miller es su serie de mayor éxito y ha captado la atención de gran parte del sector televisivo. La incógnita que nos quedaba era, entonces, la fecha. Hulu acaba de anunciar que la segunda temporada de 'The Handmaid's Tale' llegará a su plataforma en abril de 2018 (y suponemos que en España a través de HBO en esa misma fecha).

El final de la primera temporada de 'The Handmaid's Tale' apuntaba a que la historia de Offred/June no había hecho más que comenzar. Una vez superado los eventos del libro y con su vida algo patas arriba fuera del amparo de los Waterford, Bruce Miller trabaja con la misma Margaret Atwood para plantear este "qué pasa después" que la propia autora quiere resolver partiendo de los trece episodios de la nueva temporada.

'The Handmaid's Tale' es una de esas ficciones que son bastante necesarias hoy en día. Un gran drama feminista cuya ambientación y emotividad arrastran y hacen reflexionar. El que haya fecha, por lo menos mes a falta de día concreto, ya es una buena noticia. La mala, como siempre, es que hay que esperar todavía unos cinco meses para ver cómo vuelve Offred y compañía.

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Marvel y DC en ridículo: J.J. Abrams y Jimmy Kimmel han creado el grupo de superhéroes definitivo

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The Terrific Ten

Como muchos otros niños aficionados a los cómics, Jimmy Kimmel creó durante su infancia una historieta sobre las aventuras de un grupo de extravagantes superhéroes, a los que llamó 'The Terrific Ten'. Ayer, el famoso presentador celebró su 50º cumpleaños y, para sorpresa de todo el mundo, J.J. Abrams apareció y le dejó un regalo que jamás olvidará.

Abrams recordó a Kimmel la existencia del tebeo que dibujó cuando era niño y le pidió que presentase los personajes a toda su audiencia, antes de anunciar que se había gastado un dineral en dirigir el tráiler de una película sobre los 'Terrific Ten'. Atentos a esta joya y a las estrellas que reunió el cineasta:

Así es: el reparto de esta "superproducción" está formado por Ben Affleck, Jennifer Aniston, Zach Galifianakis, Jason Bateman, Will Arnett, Jon Hamm, Ty Burrell, Billy Crudup, Shaquille O'Neal, Cousin Sal, Jake Tapper, Wanda Sykes y, cómo no, el archienemigo de Kimmel, Matt Damon, en la piel del malvado villano que desea destruir el mundo.

La 'Liga de la Justicia' se estrena este fin de semana pero ahora no vamos a poder dejar de pensar en 'The Terrific Ten'... ¡necesitamos que se haga realidad!

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La búsqueda de lo imposible: la leyenda de El Dorado en cinco películas

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Aguirre

Cuenta la leyenda que a escasa hora y media de Bogotá, en los aledaños de la laguna de Guatavita, se alzaba escondida una ciudad de oro. Una villa en la que al brillar el sol, uno tenía que entornar los ojos pues sus calles y casas eran dorados. El preciadísimo metal era tan abundante y común que todo lo que allí se alzaba y construía era de oro. Incluso las vajillas caseras.

Prueba la historia, no obstante, que El Dorado es una leyenda de conquistadores, inventada y enraizada por colonizadores que se adentraron en las tierras de América del Sur y esclavizaron a sus habitantes desde el siglo XV en adelante. “En El Dorado parece resumirse la obsesión tras la cual se transparenta toda la historia de la conquista de América”, decía Christian Kupchik en ‘La leyenda de El Dorado y otros mitos del descubrimiento de América’. “Esto es: la historia de un mito provocado por la fiebre del oro, único móvil de todas las empresas y descubrimientos”.

La historia de El Dorado se escribe con sangre y es sabido que de conquistas y grandes gestas el séptimo arte sabe lo suyo. Aprovechando el estreno de ‘Oro’, nuevo film de Agustín Díaz Yanes, repasamos los films que narraron la búsqueda de la ciudad de Oro, mito en constante revisión. Miradas hacia una leyenda que se complementan entre ellas y ofrecen lecturas distintas –a veces enfrentadas-, sobre una historia eterna.

Aguirre, la cólera de Dios (1972)

De todo el cine europeo de los 70, el de la República Federal Alemana fue, posiblemente, el que mayor inventiva audiovisual y ánimo rupturista encerraba en su generación. No en vano, la época nos descubrió en todo su esplendor a Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders y Werner Herzog. Este último, irredento genio y mad doctor aficionado al concepto ‘estudio de personajes’, cuyo significado cambió tras su cine.

Su aproximación al legendario reino peruano, se ha convertido en la primera gran película digna de tal nombre en estudiar el mito. En 1560, Gonzalo Pizarro -que venía desde Trujillo dispuesto a volver con Perú en sus bolsillos-, se vio en el lance de ser incapaz de avanzar por los Andes sin tener que matar de hambre y enfermedad a sus huestes. Así que decidió enviar a una avanzadilla de cuarenta hombres y mujeres encabezada por Pedro de Ursúa y Lope de Aguirre en busca de la legendaria ciudad hecha de oro. Cuando la tropa ya estaba lejos del alcance del poder de la Corona Española, Lope de Aguirre traicionó a Ursúa y obligó a todos sus seguidores a que le acompañasen en una suicida búsqueda de lo inexistente. El Dorado Foto 2

Con ‘Aguirre, la cólera de Dios’, el séptimo arte arroja sobre El Dorado su primera tesis sobre la leyenda y no es, precisamente, alentadora: para Herzog la ciudad del metal precioso es la definición verbal de la megalomanía mental de su protagonista. La concreción, excusa más bien, del ansia de poder de un hombre movido por el delirio y la locura que pretendía conquistar Perú –que no Colombia, donde la leyenda goza de mayor arraigo-.

Obra maestra que confía su poder expresivo en un formalismo casi documental y el análisis de la psicología de Aguirre, eterno Klaus Kinski que inauguraría con Herzog una tormentosa amistad que les llevaría a rodar juntos en ‘Woyzeck’ o ‘Nosferatu, vampiro de la noche’.

El Dorado (1988)

La historia del cine español está plagada de grandes esperanzas estrelladas contra la realidad de una taquilla que las ignora. Las de Carlos Saura con ‘El Dorado’ fueron pioneras: en su momento fue la película más cara de la historia de nuestro cine y supuso un absoluto fracaso económico y crítico.

Su presupuesto de 780 millones de pesetas, cifra que traducida a millones euros no llegaría a los cinco, nunca se recuperó y el tropiezo fue tal que provocó comparaciones en ambición de Saura con el conquistador Aguirre, así como airados artículos de su productor defendiendo que el fracaso no le iba a costar nada a las arcas del Estado, pues se había recaudado lo suficiente como para devolver la subvención correspondiente. Por si fuera poco, ni tan siquiera la Academia de unos jovencísimos premios Goya la otorgó un solo cabezón: se llevo cero de las nueve candidaturas a las que aspiraba.

El Dorado Foto 3

‘El Dorado’ de Saura narra la misma historia de traiciones que ‘Aguirre, la cólera de Dios’, pero aquí, curiosamente, se le da la vuelta a la tortilla. Saura opta por retratar a Ursúa como un loco ambicioso y a Aguirre como un conquistador sensato que se ve obligado a meterle una espada en el pecho para salvar a su gente. Aguirre es ahora un hombre que cree en la justicia y en el bien que no tiembla en asesinar a aquellos de quienes, ambivalencia excelentemente captada por Omero Antonutti, el Agustín Arenas de la obra maestra de Víctor Erice; ‘El Sur’.

Y aquí, la ciudad de Oro vuelve a representar una entelequia pero esta vez… una más amable y cómoda en los grises. El Dorado significa un lugar en el que empezar de cero, una utópica reformulación de la idea de ‘pueblo unido jamás será vencido’. Aguirre proclama a su expedición como un reducto independiente de España en el que se abolirá la esclavitud y se perseguirá el bien común: sociedad que será posible cuando se encuentre una maldita tierra prometida que… jamás llegará.

La ruta hacia El Dorado (2000)

La más divertida interpretación de la leyenda que nos ocupa, injustamente olvidada entre los films de animación del cambio de milenio y primeros tanteos con las posibilidades del acabado digital. Por aquel entonces, Dreamworks Animation competía con Disney por implementar a sus narrativas leyendas ambientadas en civilizaciones perdidas. La casa del ratón contraatacaría este embate con ‘El emperador y sus locuras’ y posteriormente ‘Atlantis: El imperio perdido’, ganando por goleada al estudio de Steven Spielberg. Pero hoy, ‘La ruta hacia El Dorado’ se nos antoja una desprejuiciada y fresca buddy movie hábil y sorprendentemente autoconsciente.

‘La ruta hacia El Dorado’ nos sitúa cuarenta años antes de las anteriores dos, cuando Hernán Cortés ponía rumbo a llamado Nuevo Mundo. Dos buscavidas se hacen con un místico mapa que les lleva a adentrarse en la selva amazónica y descubrir, por casualidad, la ciudad de El Dorado. Allí, también por casualidad, son considerados dioses y urdirán un plan para escapar y llevarse, de paso, todo el oro que sean capaces de coger.

El Dorado Foto 4

La legendaria ciudad repleta del metal precioso, es en este film un lugar físico que propicia el desencuentro y reconciliación de los dos protagonistas. También, la oportunidad para ofrecer una meditada visión de la masacre indígena desde la lógica del cine para todos los públicos.

El Dorado resulta ser el lugar de refugio de una civilización poderosa y antigua cuya esencia debe ser preservada, lejos de la mirada (y las hurpas) del conquistador. La leyenda, en esta ocasión, se convierte en una tierra que nunca debió ser mancillada con la influencia europea. Edulcorada lectura del mito que, por el camino, también ofrece buenas dosis de sátira en torno a la religión y a los resortes de la buddy movie clásica.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008)

Es fácil preguntarse qué pinta Indiana Jones en la leyenda de la ciudad de oro. Pero resulta ser que en la cuarta película del arqueólogo más famoso de la historia del cine, un maltrecho Harrison Ford llevaba un tesoro de incalculable valor –la dichosa calavera- hasta Akator, antigua ciudad subterránea supuestamente ubicada entre Bolivia y Perú… también conocida como El Dorado.

Lo cierto es que las referencias históricas de Akator se basan únicamente en el libro ‘The Chronicle of Akakor’ escrito en el 76 por el periodista Karl Brugger tras conocer al guía y líder germano brasileño Tatunca Nara, que le contó historias de aquella civilización perdida. Asumir que el misterio –sin más base que el testimonio de Nara- confluye con el de El Dorado es arriesgado pero a Steven Spielberg el rigor histórico le importa más bien poco.

El Dorado Foto 5

Así las cosas, el mito de la civilización que era rica sin saberlo es, de nuevo, un lugar físico descubierto por los protagonistas. Aunque esta ves ligado a una maldición ancestral que representa, más que objetivo lógico de la narrativa aventurera, la idea prometeica de ese ‘algo’ prohibido para el hombre. Tanto es así que la calavera resulta ser [SPOILER] el cráneo de un extraterrestre que se marchará de nuestro planeta cuando le demos la oportunidad.

Si bien existe una corriente –fundamentada o no en tiempos de nostalgia mercantil-, de considerar ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’ como una película catastrófica, lo cierto es que goza de cierto aire de autoparodia cansada a tener en cuenta. Aunque su visión del mito que nos ocupa no sea más que una pirueta de guión.

Z, la ciudad perdida (2016)

Sin contar ‘Oro’, la última película de James Gray es también la más moderna aproximación al concepto de El Dorado en el séptimo arte. Curiosamente, también un ejercicio de clasicismo cinematográfico profundamente asentado en la narrativa del cine de aventuras clásico, y en la imaginería visual y poética del asalto amazónico. “Es innegable que el poder evocador de las imágenes y los meandros narrativos de James Gray han dado como resultado una experiencia fílmica profunda y extraordinaria”, decía nuestro compañero Jorge Loser aquí mismo.

En 1925, el militar, arqueólogo y explorador británico Percy Fawcett se embarcó en una expedición, de la que nunca volvería, dispuesto a demostrar la existencia de una antigua civilización escondida entre la vegetación de la selva amazónica. Él la llamaba ‘Z’, pero todo el mundo sabía que hablaba de El Dorado.

Aquí, el mito vuelve sobre sus pasos: la ciudad de Oro es la expresión de una obsesión, la del personaje asombrosamente interpretado por Charlie Hunnam, capaz de abandonar a su familia y poner en peligro a su hijo por perseguir su clarísima convicción. Situando su discurso entre la locura de ‘Aguirre, la cólera de Dios’ y el ideal del tedioso film de Saura. Una poderosísima muestra de gran cine que refiere a la leyenda para hablar de algo tan humano como la obstinación e insensatez de todo explorador que se precie.

El Dorado Foto 6

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'Algo muy gordo', una gran broma sobre el cine y la vida

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Algo Muy Gordo Portada

Aún, entre las cavernas, hay algunos que van de iluminados y siguen afirmando que el cine español solo tiene tetas y guerra civil. A esos que se esconden entre las sombras les invitaría a ver alguna de las producciones cinematográficas que se han realizado en España durante este año.

Haría especial hincapié en nuestra preseleccionada a los premios Oscar, ‘Verano 1993’, pero también le daría una larga lista de títulos interesantes: ‘Pieles’, ‘La llamada’, ‘Julia Ist’, ‘Abracadabra’, ‘Mimosas’, ‘Selfie’, ‘Fe de etarras’, ‘Los del túnel’, ‘El bar’, ‘Musa’, ‘Verónica’, ‘La librería’, ‘El secreto de Marrowbone’, ‘La película de nuestra vida’, ‘Oro’, ‘Incierta gloria’… Y podría seguir un buen rato.

Entre todas estas películas de nuestro cine, a pesar de las dificultades que entraña la realización de un largometraje, encontramos una propuesta muy peculiar. Es un título que empezó a forjarse con un curioso cartel lanzado en la vigésima edición del Festival de Cine de Málaga, en el que Berto Romero aparecía bastante deformado, convertido en una especie de niño con problemas serios de peso. El título rezaba ‘Algo muy gordo’, y, efectivamente, era algo muy gordo.

Algo Muy Gordo Primer Cartel

Con Carlo Pardial, un director al que conocían los acérrimos al cine independiente español de nueva ola y pocos más, al frente del buque, y Berto Romero como protagonista, esperar cualquier cosa de ‘Algo muy gordo’ era casi imposible. Porque de aquellas dos mentes podía salir cualquier cosa, de forma literal. Y empezó la gamberrada.

Cine sobre cine

La sinopsis inicial de la película rezaba lo siguiente: “Dani Tomás, un guionista de televisión, recibe una noticia inesperada. Por un error jurídico tiene que repetir octavo de EGB para poder aprobar bachillerato. De esta forma regresa a un mundo ya olvidado, viviendo nuevas experiencias, situaciones inexplicables y divertidos sucesos”. Pero cuando se empezaron a filtrar imágenes de la película, sólo veíamos a Berto sobre fondo verde con traje de croma.

Y es que toda la película es el proceso de creación de la producción cuya sinopsis leemos. Es decir, que ni guionista ni repetir octavo de EGB: ‘Algo muy gordo’ es cine sobre cine. Para más inri, el formato de falso documental apoya esta extrañeza que pasa de ser una comedia de tinte alternativo a un experimento sobre el humor.

Algo Muy Gordo 2

La reflexión más evidente que podemos sacar de la película es sobre el cine comercial de nuestro tiempo. Los efectos especiales, que han infectado todas las capas de los blockbusters contemporáneos, se han convertido en una premisa básica a seguir en muchas producciones. Y el relato de ‘Algo muy gordo’ nos enseña qué ocurre en una película que abusa del CGI antes de la postproducción, haciendo cómicas las surrealistas situaciones del set de rodaje en una película con aspiraciones cruzadas.

Las trayectorias de Berto y Carlo se contraponen: el primero es un cómico asentado en el éxito con la participación en comedias comerciales que quiere granjearse a la crítica con un proyecto diferente, mientras que el segundo es un director independiente que quiere financiación para sus obras nuevas, aun teniendo que renunciar a su aura alternativa. Los dos entes contrapuestos se fagocitan en una simbiosis pos-cómica de la que resulta una descripción de la proeza de hacer cine y fallar.

'Algo muy gordo' es mucho más que un falso documental cómico

‘Algo muy gordo’, en realidad, es una broma de ochenta y siete minutos de duración en los que asistimos a un ejercicio cinematográfico difícilmente descriptible. También es un metarrelato sobre el cine, la vida y la frustración. Asimismo, es un acto de reivindicación: la aparición de Javier Botet y Miguel Noguera, dos verdaderos portentos, no es casual; mucho menos la inclusión de un tema de Pimp Flaco en la banda sonora que cubre uno de los momentos más emotivos de la película.

Concebida como comedia a modo de falso documental, ‘Algo muy gordo’ está llena de post-humor. Y es en esa deriva extraña que ha tornado lo cómico en nuestros días, donde la incomodidad e incluso el terror se ha convertido en objeto risible, donde la película aprovecha para reflexionar sobre la trascendencia de la creación artística.

Otro de los puntos más interesantes de la cinta es que en ‘Algo muy gordo’ el propio fracaso se describe como el verdadero triunfo. Desenmascarando y diseccionando a sus personajes, que son deformaciones de los actores que los interpretan, explora entre sus sueños y anhelos para hacernos conscientes de que los proyectos son difícilmente alcanzables. Y nunca en tono triste: ‘Algo muy gordo’ es una mirada optimista que asume la realidad y se ríe en su cara.

La obra de Carlo Padial y Berto Romero es eso que le gusta decir a la crítica sobre las comedias que ha disfrutado: fresca, sin complejos e innovadora. Y no andan faltos de razón, porque ‘Algo muy gordo’ nos ha dado una bofetada -sin ánimo de herir- de reflexión. Porque ha buscado desde el inicio la incomprensión del público, de la gente que ha ido a verla y no ha sabido describirla al salir de la sala.

Algo Muy Gordo 4

El gran acierto de ‘Algo muy gordo’ es la subversión total. Porque no es fácil tomarse el drama con humor ni lo cómico de forma seria. Para ser una comedia, puede que no arranque demasiadas risas. Pero entre los posos que la película deja, hay verdad, hay certeza. Y muchas veces hay que quedarse mirando al fondo del vaso para saber lo que acabamos de bebernos.

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Vibrante tráiler de 'The Assassination of Gianni Versace', la segunda parte de 'American Crime Story'

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The Assassination Of Gianni Versace Penelope Cruz As Donatella Versace

Ryan Murphy es uno de esos superproductores televisivos que no paran, más desde que está atado a FX, cadena que no le quiere soltar mientras siga entregando éxitos. El final de anoche de la floja 'American Horror Story: Cult', séptima temporada de su serie estrella, trajo consigo el lanzamiento del primer tráiler completo de la segunda temporada de 'American Crime Story', titulada en esta ocasión 'The Assassination of Gianni Versace'.

Anunciada en sus inicios como la tercera temporada de la serie, el equipo comandado por Ryan Murphy decidió debido a lo avanzada que tenían el proyecto, adelantarla a 2018 y posponer para más tarde la temporada dedicada al Katrina. Concretamente 'The Assassination of Gianni Versace. American Crime Story' se estrenará el 17 de enero de 2018 en FX (y cinco días antes online), convirtiéndose en uno de los primeros estrenos del año.

'The Assassination of Gianni Versace' está basado en 'Vulgar Favors: Andrew Cunanan, Gianni Versace, and the Largest Failed Manhunt in U. S. History', el libro en el que Maureen Orth explora la mente del asesino en serie que asesinó al famoso diseñador. En el reparto nos encontramos a Édgar Ramírez como Gianni Versace, Penélope Cruz como su hermana Donatella y Darren Criss como Cunanan.

Si no habéis visto 'The People v OJ Simpson', la primera temporada de 'ACS', os la recomiendo encarecidamente. Sabe aprovechar perfectamente el fenómeno del true crime con uno de los casos más mediáticos y polémicos que se recuerdan. Sin embargo tengo dudas con esta próxima temporada, ya que ni Scott Alexander ni Larry Karaszewsky, responsables de la primera, no están involucrados en el proyecto. El sustituto de este tándem es Tom Rob Smith cuyo 'London Spy' no terminó de convencerme.

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'Jupiter's Moon': una reivindicación sociopolítica desvirtuada por la filigrana y el exceso

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Jupiters Moon

El cine, además de como una de las mejores y más efectivas vías de escape a través de la que huir de la asfixiante realidad que nos rodea, se eleva a su vez como una poderosa herramienta con la que proyectar las más diversas reivindicaciones sociopolíticas con las que denunciar o, simplemente, dar visibilidad a los males que azotan a nuestro cada vez más enfermo mundo.

En lo que respecta al viejo continente, los países del este siempre han demostrado una especial sensibilidad —no exenta de crudeza— a la hora de explorar este cariz del séptimo arte, siendo el último ejemplo de ello esta 'Jupiter's Moon': el nuevo trabajo del director húngaro Kornél Mundruczó que, tras su celebrada 'White God', afronta la crisis europea de los refugiados con más éxito en lo formal que en lo narrativo.

La mayor virtud de 'Jupiter's Moon' radica en su interesante propuesta tonal y en su riesgo a la hora de hibridar géneros sin ningún tipo de complejos. Mundruzcó y su coguionista Kata Wéber logran hacer especial su relato centrado en uno de los muchos migrantes provenientes de países en situación de riesgo combinando el drama inherente a la temática con la vibrante esencia del mejor thriller y un componente fantástico que conforma a su vez el alma y el mayor palo en la rueda del conjunto.

Mientras que el factor dramático funciona a la perfección gracias a la sólida construcción de sus personajes y a lo orgánico de sus relaciones, y la notable gestión del suspense da pie a algunas de las mejores y más tensas secuencias del filme, el leitmotiv fantástico de 'Jupiter's Moon', traducido en pantalla mediante los poderes que permiten volar a su protagonista, termina transformándose en un mero añadido que, a base de exceso y repetición, parece estar fuera de lugar y logra desvirtuar el mensaje de la película.

Jupiters

No se pueden negar los esfuerzos del realizador por ofrecer un poco usual balance entre el discurso comprometido y el sentido del espectáculo, envolviendo su fábula de una factura visual espléndida y, en ocasiones, poética. No obstante, y de nuevo a causa de la reiteración y de una extraña aura de grandilocuencia que crece progresivamente conforme avanza el metraje, el continente vuelve a hacer flaco favor al contenido, restándole eficiencia e incluso transmitiendo una sensación de aborrecible frivolidad.

Pese a los esfuerzos por parte de un solvente Mundruczó para intentar desmarcarse de la tónica general y ofrecer un producto sensible que pueda atraer a públicos, a priori, de intereses ajenos de este tipo de producciones, 'Jupiter's Moon' termina quedándose en un limbo que impedirá que sea recordada ni como drama social ni como una anomalía dentro del cine fantástico contemporáneo. Sus altibajos de ritmo y la falta de definición de su naturaleza contrastan con su virtuosismo audiovisual para dar a luz a un largometraje correcto que podría haber trascendido como algo muchísimo más grande.

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Mucho más que Holmes: los 13 mejores detectives de la Historia del Cine

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Detectives

El estreno de 'Asesinato en el Orient Express', nueva adaptación de la mítica novela de la gran reina de la literatura de suspense, Agatha Christie, supone un agradable regreso a las clásicas historias de whodunit, o quién-lo-hizo. Es decir, las tradicionales narraciones policiacas en las que hay uno o varios crímenes que son investigados entre abundantes sospechosos, y cuyo responsable acaba siendo revelado en un giro final que (si hay suerte) pillará al lector por sorpresa.

En estas historias hay dos elementos imprescindibles: un mínimo de un cadáver, y un detective. Un investigador sagaz e intelectualmente superior al resto de los personajes de la historia que husmea, interroga y busca pistas por el escenario del crimen (a menudo, como en 'Orient Express', limitado en el espacio). Estos personajes, los detectives profesionales o aficionados, son uno de los grandes tropos de las ficciones policiacas, y su presencia se remonta a los orígenes literarios del género.

O incluso más atrás. Hay quien dice que la primera narración detectivesca está nada menos que en la Biblia, en la historia de la Casta Susana, que fue acusada por dos viejos verdes de seducirles junto a un lago. Tuvo que venir el jovencísimo profeta Daniel (es decir, que no se adelantó a Sherlock Holmes, sino directamente a Los Cinco) a interrogarlos por separado y localizar inconsistencias en sus relatos para detectar su falsedad. ¡Menudo águila!

Ilustración de Harry Clarke para 'Asesinato en la calle Morgue' de Edgar Allan Poe Ilustración de Harry Clarke para 'Asesinato en la calle Morgue' de Edgar Allan Poe

En cualquier caso, antes de la llegada de Auguste Dupin a los relatos de Edgar Allan Poe, considerados los primeros relatos detectivescos más o menos canónicos, se encuentran antecedentes en las 'Mil y una noches', en narraciones chinas del siglo XVII que describen supuestos casos judiciales en contexto imperial (a menudo con elementos sobrenaturales), o en clásicos occidentales como 'Mademoiselle de Scuderi' de ETA Hoffman. Todos ellos palidecen frente al impacto de L'os crímenes de la calle Morgue' de Poe, publicado en 1841.

C. Auguste Dupin, creación de Edgar Allan Poe y protagonista de obras esenciales de la narración detectivesca como 'El escarabajo de oro', sienta las bases del icono del investigador sagaz.

En él se presentó a C. Auguste Dupin, un claro precedente de Sherlock Holmes que ya presentaba las características de tantos y tantos detectives posteriores (de hecho, la palabra "detective" la inventó él). Principalmente, que el misterio debe ser resuelto a golpe de raciocinio y con elementos que el lector también ha tenido ante sí. El siguiente gran hito del género fue Sherlock Holmes, creación de Arthur Conan Doyle que ya fijaría definitivamente las características de tantos y tantos detectives posteriores: capacidad de observación tan extrema que incluso le incapacita socialmente, torpeza para comportarse en sociedad, conocimientos profundos y compartimentados, abstracción total de todo lo que no sea "el caso", desprecio a lo material y vicios menores diversos (fumar en pipa, heroína).

Esos son los mimbres sobre los que se sustenta el detective moderno, aunque hubo mutaciones del concepto. Por ejemplo, en los años veinte y treinta (la Edad de Oro de la Detective Fiction), el whodunit tomó forma gracias a autores como Agatha Christie, Dorothy L. Sayers, John Dickson Carr (maestro de otra variante detectivesca, los misterios de habitación cerrada), o Ellery Queen. También a principios del siglo XX, el detective se vio contaminado por los usos de la ficción pulp, y se convirtió en un investigador poco aconsejable, duro y acostumbrado a los bajos fondos: Dashiell Hammett, Mickey Spillane o Raymond Chandler crearon así a detectives tan famosos como Mike Hammer, Sam Spade o Philip Marlowe.

Todos ellos (y sus herederos, que derivaron el whodunit hacia las ficciones procedurales tan de moda hoy) han tenido abundantes translaciones a la gran pantalla. Hemos seleccionado algunos -solo algunos- de los más famosos detectives del cine, dejando de lado los detectives de la policía, que esos tienen su propia mitología. Unos tienen equivalentes literarios, otros han nacido directamente en el celuloide, pero sus ancestros literarios son obvios. Estos son los sabuesos más impertinentemente implacables de la historia del cine.

Guillermo de Baskerville

De acuerdo, no es un detective al uso, cómo va a serlo en el siglo XIV, pero ya lo dice el trailer: "un hombre de razón en un mundo de fe ciega". Esa bien puede ser la definición de cualquier detective que se precie: este monje interpretado por Sean Connery tiene hasta su propio Watson en la forma de Adso (Christian Slater) y sus diatribas a favor del pensamiento científico para descubrir la verdad le convierten en un venerable antecesor de Sherlock Holmes.

Síguele la pista en: 'El nombre de la rosa', la nada convencional adaptación de la novela de Umberto Eco que, ciertamente, tampoco es un whodunit convencional. Aunque, juguetona y posmoderna, se disfraza perfectamente como uno: cadáveres en extrañas circunstancias, misterios clásicos de habitaciones cerradas y armas inexistentes...

Nick y Nora Charles

Un matrimonio de deliciosos detectives aficionados (él está retirado, ella es una rica heredera vivalavirgen) que proceden de una novela de Dashiel Hammett y que buscan, en su primera aventura juntos, al hombre delgado del título original de novela y película. Eran los tiempos pre-Código Hays, así que unos magníficos William Powell y Myrna Loy se pasan todas sus películas como cubas y tonteando, entre misterio y misterio.

Sígueles la pista en:'La cena de los acusados' es la película que los unió en 1934, y el éxito fue tan descomunal que generó unas cuantas secuelas, con hombre delgado en el título pero otros casos por solventar. Ninguna como la primera, pero todas tienen diálogos chispeantes y una ligereza absolutamente cautivadora.

J.J. Gittes

Quizás el más perfecto detective de cine negro clásico... sin ser de cine negro clásico. En la impresionante ''Chinatown (1974), un increíble Jack Nicholson compuso un detective antipático, avispado, sarcástico y un auténtico imán para los puñetazos, inspirado en los detectives de Dashiell Hammett (del que Polanski copió, según confesión propia, la idea de que el espectador tenga en todo momento la misma perspectiva del investigador). Y sin embargo, y a pesar de todo, no está contaminado por las bajas pasiones ni por el dinero. Un tío íntegro.

Síguele la pista en: 'Chinatown' y, además, 'Las dos caras', dirigida esta vez por Jack Nicholson y con un nuevo y estupendo guion de Robert Towne. Se planeaba una tercera entrega, pero nunca llegó debido al tremebundo fracaso de taquilla de 'Las dos caras'

Sherlock Holmes

Qué se puede decir del maestro de detectives a estas alturas. Conocemos sus rasgos típicos tan a fondo que las parodias e imitadores se confunden con el personaje canónico, que ya tenía un puntito satírico de la ficción detectivesca típica. Sherlock Holmes, pese a las apariencias, no es un detective al uso, e invitamos al espectador curioso a desintoxicarse de tantas adaptaciones tópicas zambulléndose en los relatos originales.

Síguele la pista en: Multitud de fuentes. De la deliciosa versión animada de Miyazaki a las dos soberbias películas protagonizadas por Robert Downey Jr, pasando por la reciente serie de la BBC o el que para muchos es el golpe definitivo al icono holmesiano: la impresionante 'La vida privada de Sherlock Holmes' de Billy Wilder, quizás la mejor película de su director.

Holland March y Jackson Healy

El gran Shane Black ha llenado sus películas de detectives memorables, quizás los mejores del cine moderno, herederos de la tradición hard-boiled de Hammet y Spillane, posmodernos pero a la vez entrañables. Del mágico "Gay" Perry van Shrike de Val Kilmer en 'Kiss Kiss Bang Bang' al demoledor Joseph "Joe" Cornelius Hallenbeck interpretado por Bruce Willis en 'El último Boy Scout'. Pero la palma se la llevan March y Healy, dos detectives complementarios y contradictorios embarcados en un caso que es puro años setenta.

Sígueles la pista en:'Dos buenos tipos', absoluta obra maestra de diálogos certeros, trama insuperable e interpretaciones de antología a cargo de Russell Crowe y Ryan Gosling, que investigan la muerte misteriosa de una estrella porno y la desaparición de una chica. Abusivo y descontrolado uno, padre lamentable que se marea al ver sangre el otro, el misterio que les rodea es tan sólido como desternillante, en una de las mejores películas de detectives de los últimos tiempos.

Phillip Marlowe

Otro mítico, este creado por el grandísimo Raymond Chandler en 'El sueño eterno'. Apareció en ocho novelas y funciona como una especie de versión agresiva de Sam Spade: más terco, más saco de boxeo, pero a la vez más intelectual y menos propenso a la violencia. Nunca se deja conquistar por las bajas pasiones (léase femme fatales) y bebe de una manera que te tumbaría en tres minutos.

Síguele la pista en: Muchas y muy variadas encarnaciones (de Robert Montgomery a James Garner, pasando por Robert Mitchum), más diversas que las que han disfrutado otros detectives más populares como Poirot. Destacan, sin duda, el Bogart de 'El sueño eterno' y la versión semiparódica de Elliot Gould que dirigió Robert Altman en 'Un largo adiós', en 1973.

Miss Marple

La otra gran creación detectivesca de Agatha Christie, junto a Hércules Poirot, es esta agradable anciana, detective aficionada, que lleva al límite aquello del león con piel de cordero. Su apacible apariencia es capaz de desarmar el plan criminal más meticuloso, a lo que ayudan sus dotes deductivas y su afilada lengua, camuflada de inocencia sexagenaria.

Síguele la pista en: Miss Marple carece de películas tan icónicas como 'Asesinato en el Orient Express' o 'Muerte en el Nilo', aunque son muy destacables cosas como 'El tren de las 4:50' o 'El espejo roto'. Aunque si por algo recordamos a Miss Marple es por ser la base de inspiración de una de nuestras detectives aficionadas favoritas, la imbatible Jessica Fletcher de 'Se ha escrito un crimen', inspirada también en buena parte, cómo no, en la propia Agatha Christie. ¡Grandes damas del crimen!

Mystery, Inc.

¡Pero por supuesto que Daphne, Velma, Fred, Shaggy y Scooby son detectives! ¡Y de los mejores! Misterio tras misterio demostraron que no hay monstruo ni espectro que valga cuando hay un viejo dueño de un parque de atracciones al que culpar de un quítame allá esa gentrificación de un pueblo costero fantasma que no parecía interesar a nadie.

Sígueles la pista en: Por supuesto, en la serie original de 'Scooby-Doo' y sus muchas mutaciones, pero en el cine los encuentras en dos largometrajes guionizados por el infalible James Gunn. El primero de ellos, especialmente, tiene un villano de los de lavar traumas infantiles de un plumazo.

Hércules Poirot

El legendario detective belga creado por Agatha Christie ha tenido una serie de encarnaciones en la gran pantalla con las que solo puede rivalizar el gran Sherlock Holmes. Acompañado de su propio Watson -el capitán Hastings-, regordete y dueño de un bigote del que su dueño presume que es el mejor de Inglaterra, Poirot soluciona todos sus casos (a menudo en ambientes exóticos o en viajes protagonizados por la realeza británica) con inteligencia y poder deductivo. Es materia gris en estado puro y se anticipa a detectives más modernos, como Colombo, en el uso de su encanto personal para hacer que los sospechosos bajen la guardia.

Síguele la pista en: Con 41 libros originales, algunos de ellos adaptados en varias ocasiones, las películas en las que aparece rozan la decena, a lo que se suma una serie de televisión propia e innumerables obras de teatro. Destacan las encarnaciones de Albert Finney y Peter Ustinov, a quienes podemos añadir el flamante Kenneth Branagh y su nuevo 'Asesinato en el Orient Express'.

Sam Spade

Otra creación de Dashiell Hammett, inspiración primorcial para el posterior Phillip Marlowe y que, pese a su fama, solo figuró en una novela ('El halcón maltés') y varios cuentos. Más oscuro que los detectives clásicos, su tendencia a usar los puños siempre que sea preciso para solucionar los casos lo aleja de un Sherlock Holmes que encuentra placer en el desafío intelectual. Spade quiere solventar injusticias... como sea.

Síguele la pista en: El Spade de Humphrey Bogart en 'El halcón maltés' (la de 1941, segunda vez que se adaptaba la novela) no solo marcó la imagen del detective de Hammett para siempre, sino el de todos los detectives de cine negro venideros, ya que puso el acento en la parte oscura del personaje, más expeditivo, seco y sarcástico que el original.

Eddie Valiant

Este entrañable detective clásico de la América de serie negra más tópica carga con todos los tropos del género: alcohólico, con un pasado traumático, de buen corazón, irresistible para las damas, extremadamente sagaz y desencantado con el género humano. Le dio imbatible presencia un Bob Hoskins inigualable, capaz de conservar el tono de detective acabado en medio de la mayor de las locuras.

Síguele la pista en:'¿Quién engañó a Roger Rabbit?', la mezcla más perfecta de dibujos animados y actores reales jamás rodada, y que no solo es un portento técnico, sino un homenaje al Hollywood clásico y sus resortes narrativos (entre ellos, el detectivesco) que no se agota nunca.

Ace Ventura

'Ace Ventura, detective de mascotas' es la película que, de forma casi simultánea a 'La máscara' y 'Dos tontos muy tontos' catapultó a la fama a Jim Carrey en 1994. Excéntrico, devoto de los animales y mucho más inteligente que la policía, tiene en su haber un honor aún más extraño: regalarnos un whodunit en estado más o menos puro a mediados de los noventa.

Síguele la pista en:'Ace Ventura, detective de mascotas' y 'Ace Ventura: Operación África' no son solo dos tesoros para los amantes de la comedia excesiva. Como comedias de misterio funcionan a la perfección, y ese curioso espíritu de whodunit pasado de moda se ha ido conservando en las otras encarnaciones del personaje, de los dibujos animados a los videojuegos.

Daryl Zero

El mejor detective del mundo, interpretado por Bill Pullman, es una versión (más) neurótica de Sherlock Holmes: completamente misántropo, con un ego descomunal, tiene incluso su propio Watson, Steve Arlo (Ben Stiller), con el que inicia una investigación acerca de un chantaje que tiene mucho en común con uno de los relatos más celebrados de Holmes, 'Un escándalo en Bohemia'

Síguele la pista en: 'El efecto cero' (1998) fue la única aventura de Daryl Zero en la pantalla, y es una de las películas detectivescas de culto por excelencia de los noventa gracias a su humor esquinado y a la química entre los protagonistas. En 2002 se habló de una serie de televisión protagonizada por Alan Cumming, pero no llegó a fructificar.

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'Deadpool 2' presenta un nuevo y sorprendente teaser tráiler

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Deadpool 2

Tras mostrarnos un "llamativo" póster, 20th Century Fox ha compartido un nuevo teaser tráiler de la esperada 'Deadpool 2'. Recordemos que ya se lanzó un primer adelanto coincidiendo con el estreno de 'Logan' aunque el clip era una simple broma para los fans, sin ninguna relación con la secuela, que todavía no había comenzado a rodarse.

Este nuevo teaser parecía otra broma más. Ryan Reynolds interpretando al mercenario bocazas en una parodia del pintor Bob Ross. Pero no, en cierto momento el vídeo da un giro y revela las primeras escenas de la película en un breve espacio de apenas diez segundos. Una forma genial de presentar el metraje. Puedes verlo a continuación:

  • Vídeo en versión original:
  • Vídeo en español:

'Deadpool 2' se estrena el 1 de junio de 2018. De momento no han querido mostrar ni un plano de Josh Brolin en la piel de Cable, la gran novedad de esta segunda parte. Junto a Reynolds y Brolin, el reparto incluye a Zazie Beetz, Morena Baccarin, Leslie Uggams, Brianna Hildebrand, Karan Soni, T.J. Miller y Stefan Kapičić, entre otros.

'Deadpool' fue la ópera prima de Tim Miller y en principio él también iba a ocuparse de la secuela pero fue apartado del proyecto por conflictos creativos con Ryan Reynolds (protagonista y productor). El realizador de 'Deadpool 2' es David Leitch, codirector de 'John Wick' que debutó en solitario con 'Atómica' ('Atomic Blonde'). El guion sí lo han escrito los mismos de la primera entrega, Rhett Reese y Paul Wernick (más las improvisaciones de Reynolds), así que en ese apartado podemos esperar algo similar.

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Este impresionante vídeo de los efectos visuales de 'Mindhunter' demuestra lo perfeccionista que puede ser Fincher

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Mindhunter

'Mindhunter' está siendo uno de los estrenos televisivos más comentados de la temporada 2017/2018. No faltaron los que la devoraron, mientras que otros seguro que prefirieron verla con calma para apreciar todos los detalles de la serie creada por Joe Penhall y marcada porque David Fincher dirigió cuatro de los diez episdios de su primera temporada. El director de 'El club de la lucha' ('Fight Club') es conocido por lo meticuloso que es y eso es algo que no cambia aquí.

Cuando hablamos de los efectos visuales de una película solemos prestar especial atención a la destrucción y la creación de mundos nuevos e imposibles, pero es una herramienta que puede utilizarse también para hacer pequeños aunque esenciales cambios para conseguir dar con el toque deseado para una escena. Puede que no sea tan vistoso, pero Fincher ha demostrado que puede usarse para que todo parezca tan real que ni nos percatamos del "truco"...

Como ya habréis podido comprobar, la tarea principal de los efectos visuales en 'Mindhunter' fue conseguir que la recreación de los años 70 fuera lo más certera posible. Eso no quita que Fincher lo aproveche para llevar su perfeccionismo hasta el extremo de retocar el césped o una acera para que todo tenga una mayor armonía. No dejan de ser pequeños detalles, pero lo coneguido por la compañía Artemple es impecable.

Por cierto, no es la primera vez que Fincher realiza una utilización similar de los efectos especiales. Ya en 'Zodiac', su película con más puntos en común con 'Mindhunter', prácticamente creó la ciudad de San Francisco en varias escenas tal y como puede verse en el vídeo de más arriba -en él podéis ver las principales aportaciones de Artemple, pero ojo también al fascinante trabajo realizado por Digial Domain-.

Os dejo también los vídeos desgranando varios secretos de la aportación también de Artemple a los efectos visuales de 'Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres' ('The Girl with the Dragon Tattoo') 'Perdida' ('Gone Girl') para que comprobéis una vez más lo útiles que pueden ser los efectos visuales más allá de los grandes espectáculos. Lo único que hace falta es alguien con una visión comparable a la de David Fincher para exprimirlos a fondo:

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‘Liga de la Justicia’, tímidos brotes verdes en la juguetería fetichista de Zack Snyder

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Arremeter contra el universo cinematográfico DC es ya escupir demasiado sobre el mismo charco. La mayoría de los que siguen el progreso de sus empresas titánicas por adecuarse en el zeitgeist del cine de superhéroes que reina saben que el inicio de su tarea tiene grandes problemas desde los cimientos. La comedia involuntaria que resultó ‘Batman V Superman: el amanecer de la justicia’ (Batman V Superman: Dawn of Justice, 2016) no puso el viento de cara.

Las intromisiones en mesa de reuniones marcan el tono de ‘Escuadrón Suicida’ (Suicide Squad, 2016) y definen la actitud del estudio, como elefante en chatarrería, tratando de hacer rascacielos desde la buhardilla. El capítulo de ‘Wonder Woman’ (2017) mostraba una senda positiva de la que ‘Liga de la justicia’ acaba aprendiendo algo, pero si aquella demostraba ser una película construida alrededor de una idea, en la nueva película de Zack Snyder se reproducen de nuevo los viejos demonios de Warner jugando a ser Frankenstein.

Justiceleague Trailer 02

Humor bienvenido

Y es que, efectivamente, tenemos una obra mucho menos solemne, sin ecos de esa trascendencia tras digestión pesada de fabada que asolaba el interminable metraje de ‘Batman V Superman’. Hay un intento de regar todo con vitaminas y mezclar red bull con la gasolina del carburador y eso se traduce en ritmo, un desarrollo centrado, con algo más de temple y una necesaria intervención de urgencia del humor. Ignoro el papel de Joss Whedon (no acreditado) en el resultado final en ese aspecto.

Y sí, hay una intención noble de hacer que la interacción de los personajes sea especial, por ello hay una gran cantidad de one liners aquí y allá que al menos en la mitad de las situaciones funcionan. A este respecto, Flash es una sorpresa agradable, y la mayoría de sus líneas de guion dan en el clavo. Otras, como los de Batman no acaban de salir a flote tan alegremente. Y en general, se nota desde la distancia que se está tratando de forzar la máquina.

A veces, el conjunto da la impresión de ser como un mohíno profesor de historia que intenta hacerse el gracioso para caer mejor a sus alumnos. La clase se pasa con más interés, pero no dejas de sentir un poquillo de lástima por ver cómo se esfuerza por hacer chascarrillos sin tener naturalidad innata. Y ese mismo problema se extiende a las interpretaciones. Dentro de la corrección, pero sin una dirección de actores que haga fluir sus interacciones.

Steppenwolf

La era de Steppenwolf

La inclusión de humor parece una respuesta directa al rival. En DC no tienen dudas de que hacía falta un poco de brío y nada mejor que guiñar el ojo a Marvel para ver si se pega algo. Si lo de contratar a Whedon no era suficiente obvio, qué mejor que utilizar como catalizador del ataque de las fuerzas del mal un cubo. Vale, que las cajas madre forman parte de la mitología DC, pero si en ‘Los Vengadores’ (The Avengers, 2012) había otro cubo, llamado teseracto, igual la cosa canta.

Claro que además, quien va detrás del artefacto, el villano Steppenwolf, es un tipo con un casco con cuernos (no, no viene de Asgard) con un ejército de hombres-avispa con armaduras y cascos con ojos rojos que luchan contra los héroes en un clímax final en algún país del este de Europa con familias pobres de posibles víctimas colaterales a las que también hay que rescatar. Ejem.

Falta de originalidad aparte, al fin y al cabo es una película de superhéroes, y hay una preocupación por mostrar a los iconos de DC haciendo equipo y funcionando en acción. Y en este aspecto, cada uno brilla en su rol, las escenas de porrazos están tan bien conseguidas como suele garantizar Snyder y hay unos cuantos momentos de brillo cuando se ayudan o cuando compiten entre ellos. Por supuesto, Warner saber que tiene la carta ganadora en Wonder Woman.

Justice League Posturas

El amanecer de las posturas

Por ello, pese a no brillar como en su película individual, la heroína es el pegamento conductor que hace que el conjunto no naufrague. Es interesante ver, no obstante, cómo la recoge la cámara Patty Jenkins y como lo hace la del director de ‘Watchmen’ (2009). Falta ponerle un plano de steadycam al trasero de Gal Gadot en pantalón de cuero. Pero lo que le exime al director es su fascinación por todos los cuerpos, masculinos o femeninos, y en Aquaman ha encontrado su nuevo Leónidas.

Y es que puedes borrar el bigote de Henry Cavill, pero algo que las reescrituras de guion y los reshoots no pueden conseguir es que el sello del director siga latiendo en forma de posturas, momentos de postal y viñetas a dos páginas por doquier. El amor por sus iconos es tan sincero que no puede evitar usar tres docenas de ‘Superhero Landing’ durante las dos horas de duración. Son sus juguetes y le gusta lanzarlos, pisarlos y dejarlos renacer con la épica de un adolescente de los 2000 borracho de playstation, revistas de chicas con silicona y nu-metal.

El argumento bajo el que todo se sostiene es casi un esquema: primero el tebeo y luego las filigranas. No es un mal paso adelante en este universo, pero el reconocimiento médico pasa por los pelos, con una narración atropellada y llena de transiciones abruptas. Bajo la verbena y los fuegos de artificio se deja entrever la tapa del ataúd de la película que era antes. Probablemente, peor, más oscura y aburrida, pero el resultado final, pese a ser un disfrutable espectáculo, no deja de ser un cadáver maquillado, con sonrisa congelada y en traje de fiesta.

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La noticia‘Liga de la Justicia’, tímidos brotes verdes en la juguetería fetichista de Zack Snyder fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

La temporada 11 de 'Expediente X' ya tiene fecha de estreno: Mulder y Scully vuelven antes de lo que esperamos

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Xfiles Season11 Pic

Las cadenas estadounidenses están ya calentando motores para la "midseason", ese momento a comienzos de cada año en el que nos encontramos una nueva tanda de estrenos y regresos, y FOX acaba de anunciar que la esperada temporada 11 de 'Expediente X' llegará a nuestras vidas antes de lo que pensábamos.

'Expediente X' estrenará su undécima temporada casi nada más comenzar 2018: el 3 de enero. Eso significa que hará pareja de noche con '9-1-1', la nueva serie policial de Ryan Murphy (que, de hecho, dos semanas después estrena 'The Assassination of Gianni Versace' en FX) y en una noche, la del miércoles, que a priori no es demasiado complicada aunque NBC tenga a esa misma hora el regreso de 'The blacklist'.

He de reconocer que FOX me tiene algo despistado porque no se pone de acuerdo al publicitar la nueva temporada 'Expediente X'. Por un lado juraría que en la cadena nunca se refirieron oficialmente al regreso del año pasado como "temporada 10", aunque de facto lo fuera, y en esta ocasión lo de temporada 11 lo dejan solo para las promos. Y, por otro lado, una de las etiquetas que le ponen a la hora de promocionar es la de "segundo capítulo de la serie evento de 'Expediente X'.

¿Es entonces una temporada 10.5?, ¿un 'Expediente X' "revival" 2? Dejando el debate denominativo aparte, lo que sí que está claro a través de las promos es que continuarán (y cómo no, ya que apenas desarrollaron) las líneas argumentativas plantadas durante la anterior entrega a lo largo de una tanda de diez episodios. ¿Aprenderán de los errores de la primera tanda?

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