MGM ha mostrado recientemente el aspecto que va a tener su nueva versión de 'La familia Addams', inspirada más que en la serie de televisión en blanco y negro o las fantásticas películas de los años noventa, en las legendarias viñetas que Charles Addams publicó en 'The New Yorker' durante décadas a partir de los años treinta del sigl pasado. Visualmente, la referencia está clarísima: la Miércoles cabezona, el Gómez regordete, la Abuela decrépita, el Fétido-ghoul...

Y sin embargo... hay algo que nos escama. Si bien visualmente está claro que se intenta conectar con aquel ambiente lóbrego y caricaturesco, y aunque el reparto anunciado para doblar a los personajes (Chloë Grace Moretz como Miércoles, Charlize Theron como Morticia, Oscar Isaac como Gómez entre otros) es sensacional, la cuestión nos chirría. Quizás sea porque nos veamos venir una imitación de 'Hotel Transilvania', quizás porque sabemos que la adaptación perfecta ya se ha hecho.

Meditamos sobre ello (siempre conscientes de los peligros que supone sacar conclusiones a partir de una simple imagen) en la nueva entrega de 'Todo es mentira en el cine y la televisión', donde desgranamos qué debe tener una buena versión de la mítica y siniestra familia para respetar en toda su magnitud el venenoso mensaje de la obra original. ¡Así se adapta bien a los Addams, mon cheri!

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La idea del actor que interpreta a través de estados alterados de la mente es muy sugestiva para los espectadores. Ofrece una explicación, por descabellada que sea, al siempre inquietante proceso de transformación del intérprete en otra persona. De la hipnosis (la literalmente desnortada 'Corazon de cristal' de Herzog) a las drogas (esa 'Easy Rider' con abusos dentro y fuera de la ficción), pasando por la privación de sueño que cuenta 'No dormirás'.

Aunque en el caso de la película de Gustavo Hernández esa privación no es auténtica, claro, sino un elemento argumental: con ella experimenta una troupe de actores teatrales que, dirigidos por la perturbadora Alma Böhm (Belén Rueda), se instalan en un antiguo psiquiatrico donde en el pasado tuvo lugar un tragico suceso convertido en obra de teatro experimental. La privación de sueño hace que dos jovenes actrices (Eva De Dominici y Natalia de Molina) comiencen a entrar en contacto con los tormentosos espectros del pasado.

Ambas ideas (los métodos extremos de interpretación y los efectos de la privacion del sueño) son mas que suficientes para enhebrar una experiencia aterradora. El artista fuera de sí es un villano imprevisible y sugerente, del shakespeareano Vincent Price de 'Matar o no matar, ese es el problema' al escultor ciego de 'Blind Beast'. Y la falta de sueño y sus tremendos efectos, empezando por las alucinaciones y comportamientos erráticos -quizás el opuesto perfecto de los delirios oníricos de 'Pesadilla en Elm Street'- son una fuente no muy explotada en el género de horror. 'No dormirás', sin embargo, no termina de lograr que estos dos elementos altamente sugestivos giren con fluidez.

Una ambientacion ciertamente conseguida, muy macabra y llena de detalles que hacen que el desvencijado hospital sea un buen reflejo quebrado de la martirizada personalidad del espectro que atormenta a los actores, no es del todo suficiente. Buena parte de la culpa la tiene un guion errático, a ratos ininteligible, que rebosa pistas falsas, subtramas que no van a ninguna parte y un último tercio con acusadísimos altibajos de ritmo.

'No dormirás': Stanislavski a las bravas

Sin duda el gran punto a favor de la pelicula es, curiosamente, su espléndido plantel de actrices: a las tres citadas se suma una también excelente Eugenia Tobal como una cuarta miembro de la compañía, ya completamente sumergida en la privacion de sueño. Juntas, con personalidades muy definidas y complementarias, hacen un muy buen trabajo a la hora de sumergir al espectador en el ambiente opresivo y enrarecido.

Entre todas ellas destaca innegablemente una Belén Rueda ya decididamente instalada en esta derivación gótico-hispana del género, pero con un innegable punto de valor: no teme caer mal al espectador. Quizas una actriz algo mas versatil habria conseguido dotar de más aristas al personaje de Alma, disparando definitivamente la profundidad de la pelicula, pero como villana de cuento de hadas macabro funciona perfectamente y, sobre todo, se complementa de forma idónea con sus dos compañeras de reparto.

Es una pena, por eso mismo, que la película transcurra sin demasiada energía durante buena parte de su metraje: de la parte española de la coproducción (junto a Argentina y Colombia) se encarga Filmax y lo cierto es que en sus peores momentos parece una producción menor de la compañia, estilo 'La monja'. No llega a los extremos de la ultima de Balagueró, la flojisimaa 'Musa', pero todos los elementos visuales y narrativos de laa peor Filmax estan aqui: escenarios inquietantes pero un poco "por defecto", espectros que tiran del tópico y sobre todo, guiones que avanzan a trompicones, con descubrimientos de diarios ocultos, llaves escondidas e investigaciones periodisticas amateur.

Y es una pena viniendo de quien viene: Gustavo Hernández deslumbró con su debut, 'La casa muda', una modestisima pero contundente pelicula de terror rodada en un solo y angustioso plano secuencia. A 'No dormiras' le habría sentado bien algo de esa creatividad en la puesta en escena, que funciona en sus momentos más pulcros y atmosféricos, pero que entre los despistes de un guion en su tramo final, mas centrado en impactar que en inquietar, y algunas ideas visuales de segunda mano, no aprovecha ni el talento del director ni el brillante punto de partida.

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Los Clásicos Disney tienen una importancia enorme dentro de la historia del cine animado. 'Blancanieves y los siete enanitos' ('Snow White and the Seven Dwarfs') dio el pistoletazo de salida en 1937 y desde entonces el estudio nos ha dado decenas de títulos inolvidables que han marcado la infancia de millones de personas a lo largo de todo el planeta.

En esta ocasión queremos recordar los títulos animados más destacados del estudio con un repaso a las 23 mejores películas de Disney de todos los tiempos. El criterio, como es habitual en este tipo de artículos, no deja de ser la opinión personal de quien esto escribe, por lo que no lo toméis como una verdad absoluta. Además, me gustaría añadir que solamente he tenido en consideración los títulos realizados íntegramente con dibujos animados. Sin más que añadir, os dejo con ellas

'101 dálmatas' ('101 Dalmatians')

Dirección: Clyde Geronimi, Hamilton Luske y Wolfgang Reitherman

Hay muchas villanas memorable en los Clásicos animados de la compañía, pero yo siempre me quedaré con la temible Cruella de Vil, en parte por tener una mayor apego a la realidad en lugar de tener un origen más propio de mala de cuento. Eso sí, la película también funciona bastante bien hasta su aparición con todo lo referente a Pongo, Perdita y sus dueños, pero luego pasa a otro nivel gracias a ella.

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'Aladdin'

Dirección: John Musker y Ron Clements

El inolvidable genio con la voz de Robin Williams en la versión original -y de Josema Yuste en España- es uno de los mejores personajes de Disney, pero es que además aquí hay una gran aventura con un villano de primer y los dos protagonistas son a su vez personajes de lo más interesantes. A eso le unimos un puñado de canciones inolvidables y nos queda algo tan estimulante que incluso su primera secuela directa a vídeo acabó siendo bastante digna.

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'Alicia en el país de las maravillas' ('Alice in Wonderland')

Dirección: Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske

Un derroche de imaginación con el que he de confesar que no conectaba demasiado de niño pero a la que he ido cogiendo cada vez más aprecio con el paso de los años y el número de revisionados. Una sucesión de ideas deslumbrantes que quizá encajan entre sí de forma mejorable, pero que mantienen fascinado al espectador en el apartado visual, aunque también ayuda sobremanera el increíble despliegue de secundarios.

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'Basil, el ratón superdetective' ('The Great Mouse Detective')

Dirección: John Musker, Ron Clements, Burny Mattinson, David Michener

Soy consciente de que no es la mejor película de Disney, pero eso no impide que sea mi favorita realizada por este estudio. Ya de pequeño me fascinó la variante que proponía del universo de Sherlock Holmes, ese toque más oscuro de lo habitual en la compañía, un par de canciones magníficas, ese antológico villano con la voz de Vincent Price y ese increíble trabajo de animación durante el tramo final. Una delicia a reivindicar.

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'Blancanieves y los siete enanitos'

Dirección: David Hand

La película que lo inició todo, sentando no solamente la base de los cuentos de hadas de Disney, sino de todo el cine animado que llegaría después. Es verdad que en ella hay ciertas situaciones que pueden verse como un tanto cursis por parte del público actual, pero su indiscutible encanto se sobrepone a todas ellas ante el enorme trabajo realizado en ella, el cual va desde la animación hasta los propios personajes -el único que fala ahí es el príncipe, pero la verdad es que tampoco necesitaba más de él aquí-, en especial los simpáticos enanitos.

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'Big Hero 6'

Un inteligente, entrañable y emocionante cruce entre las formas propias de Disney y las de los superhéroes de Marvel dio como resultado esta película. No me sorprendería que algunos se quedasen solamente con lo adorable que es Baymax -que lo es, y mucho-, pero hay mucho más para disfrutar en ella. Obviamente cae en ciertos tópicos de los dos mundos que une, pero a cambio consigue que las virtudes que hereda de ambos brillen con luz propia.

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'El emperador y sus locuras' ('The Emperor's New Groove')

Dirección: Mark Dindal

Recuerdo entrar desganado a verla porque no quedaban entradas para la que realmente quería ver y luego salir encantado con una divertida locura en la que todo parecía valer sin caer nunca en la sensación de ser gratuito. Su refrescante sentido del humor, con un efectiva querencia por el absurdo, no tiene igual dentro de los clásicos Disney.

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'El libro de la selva' ('The Jungle Book')

Dirección: Wolfgang Reitherman

Una libre adaptación de la novela homónima que incluye algunas de las canciones más emblemáticas de los clásicos Disney, construyendo además todo un poco alrededor de esos ritmos de jazz que tan bien le sientan a la película. Un cuidado trabajo de adaptación -algo en lo que fallan algunas de las incluidas, pero que he preferido no dejar fuera por sus virtudes en el resto de aspectos- y unos personajes estimulantes, en especial el entrañable Baloo.

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'El planeta del tesoro'

Dirección: John Musker y Ron Clements

Una película que pasó injustamente desapercibida en su momento y que merece una reivindicación en condiciones. Sí, el toque Disney para hacerlo todo algo más blandito para los niños está ahí, pero también hay una notable aventura que sí logra esquivar ciertos problemas habituales de los personajes de la compañía, creando además una relación inesperadamente estimulante entre los dos protagonistas, por no mencionar a la vigorosa capitana con la voz de Emma Thompson en la versión original.

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'El rey león'

Dirección: Roger Allers y Rob Minkoff

Una de las cumbres de Disney, así de sencillo, y es que absolutamente todo funciona en ella. Las canciones son maravillosas, el guion dosifica muy bien los cambios de género para construir una aventura en la que hay espacio para el dolor -anda que no nos dejó a todos en shock cierta muerte-, la diversión, la emoción e incluso un poquito de terror. Todos los personajes con importancia funcionan de maravilla, incluido Scar, el excelente villano.

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'Enredados' ('Tangled')

Dirección: Nathan Greno y Byron Howard

La compañía ya había empezado a dar síntomas de mejora tras unos años en los que era mejor salir huyendo de sus películas, pero fue aquí donde confirmó el inicio de una nueva era que nos ha dado multitud de alegrías durante los últimos años. Aquí se adelantan varias ideas exploradas años después en 'Frozen' en una aventura dinámica y divertida.

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'Frozen'

Una delicia no exenta de algunos pequeños problemas -según pasan los minutos parece que se olvida por completo de que es un musical cuando tiene algunas fantásticas canciones como la ya mítica 'Let it go'-, pero que brilla tanto cuando apuesta por la diversión -luego han quemado mucho a Olaf, pero aquí estaba genial- y cuando opta por potenciar su naturaleza de cuentos de hadas moderno.

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'Hércules'

Dirección: John Musker y Ron Clements

Una divertida refomulación de la mitología griega -aunque el protagonista surge de la romana- por la que siento una gran debilidad, en especial por lo acertado que es su tono deudor de ciertas comedias clásicas. Y es que la película tiene muy clara su naturaleza de puro pasatiempo y apuesta por ello de forma decidida, incluyendo ahí a Hades, el magnífico villano que ha de funcionar al mismo tiempo como amenaza y recurso cómico, saliendo airoso del envite.

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'La bella y la bestia' ('Beauty and the Beast')

Dirección: Gary Trousdale y Kirk Wise

Si tuviera que decir cuál es la mejor película de Disney, sería la que aquí nos ocupa. Una auténtica joya que se convirtió en la primera producción animada que fue nominada al Oscar a la mejor película. Una lástima que compitiese contra una obra maestra como 'El silencio de los corderos', ya que es un cuento de hadas ejemplar que realmente tiene esa magia que es tan difícil de definir, empezando por sus personajes, siguiendo por sus canciones -la inicial da pie a la que probablemente sea la mejor introducción de la historia del cine- y pasando por todo lo demás.

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'La dama y el vagabundo' ('Lady and the Tramp')

Dirección: Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske

Una irresistible comedia con tintes románticos en la que la utilización de la música resultaba esencial para dotar a las aventuras de Golfo y Reina de un encanto único que va mucho más allá de la recordada escena de ambos comiendo pasta. Además, aprovecha muy bien el honor de ser la primera cinta del estudio estrenada en Cinemascope.

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'Lilo y Stitch'

Dirección: Dean DeBlois y Chris Sanders

Otra rareza dentro de la filmografía de Disney que se ven beneficiados por la gran imaginación visual de Chris Sanders, que no por casualidad estuvo años después detrás de la extraordinaria 'Cómo entrenar a tu dragón'. Además es cierto que defiendes valores muy propios del estudio -"Ohana significa familia"-, pero lo hace con una gran personalidad -es diferente sin dejar de ser Disney- y valiéndose de la excéntrica aportación que hace Stitch a la película.

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'Mulan'

Dirección: Tony Bancroft y Barry Cook

Una cinta que se está reivindicando bastante últimamente, en parte por sus notables valores feministas, pero también por ofrecer una aventura inusual dentro del universo Disney. Por mi parte me quedo tanto con el viaje físico y emocional de la protagonista como con ese simpático robaescenas que es el dragón Mushu. Quizá le falta algo más de desarrollo a su villano, muy lejos de los mejores de la compañía, pero funciona bastante bien para motivar a Mulan.

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'Peter Pan'

Dirección: Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske

Memorable la rivalidad entre el protagonista y el temible -aunque también algo cómico- Capitán Garfio, aunque yo siempre tuve una mayor debilidad por ese cocodrilo que acecha al villano de la función. Desde el inolvidable vuelo nocturno por Londres, la cinta se convierte en una de las mejores exponentes de la magia Disney, aunque para ello tenga que rebajar algo el contenido oscuro del original literario. Una delicia atemporal.

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'¡Rompe Ralph!' ('Wreck It Ralph')

Dirección: Rich Moore

Pronto veremos la secuela de esta estupenda aproximación al mundo de los videojuegos que es cierto que funciona mejor durante su primera hora, pero no estoy para nada de acuerdo con aquellos que la hacen de menos por no explorar a fondo su genial punto de partida. Simplemente opta por seguir un camino y lo hace muy bien, además de que Ralph y Vanellope forman una inesperadamente genial pareja de aventuras.

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'Tarzán'

Dirección: Chris Buck y Kevin Lima

El canto de cisne de los dorados años 90 para Disney es una de las mejores películas dedicadas al rey de la jungla, pero aún así se queda por un poco debajo de otras producciones inolvidables realizadas por el estudio durante la primera mitad de esta década. Además es más fiel al material original de lo habitual en los clásicos de la compañía, deslumbra en el apartado visual -increíble lo que consiguen con la selva- y cuenta con unos personajes sólidos y bien definidos.

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'Tod y Toby' (‘The Fox and the Hound’)

Dirección Ted Berman, Richard Rich y Art Stevens

Otra debilidad personal que probablemente no aparecía en la lista de muchos, pero fue la única película de Disney que realmente logró que llorase sin remedio alguno cuando era un chaval, sobre todo en una escena en concreto que no desvelaré por aquello de los spoilers, y la relación de amistad entre los dos protagonistas funciona de maravilla. En líneas generales puede ser algo blandita y representar lo que algunos odian de Disney, pero para mi gusto da en la diana más allá de los aciertos puntuales que muchos le conceden.

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'Vaiana' ('Moana')

Dirección: Ron Clements, John Musker, Don Hall y Chris Williams

Un refrescante giro de tuerca a las princesas Disney que en esta ocasión ve limitado ese punto a una mera anécdota. La protagonista es una aventurera y cuenta para ello con la ayuda de un alucinante aliado como Maui. Las excelentes canciones compuestas por Lin-Manuel Miranda, un trabajo de animación impecable –ojo también al momento en el que entran en escenas las técnicas tradicionales- y un relato que une de maravilla la diversión con la emoción dan forma a una de las mejores películas del estudio

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'Zootrópolis' ('Zootopia')

Dirección: Byron Howard, Rich Moore y Jared Bush

Un estupendo cruce entre diversión, cine negro y relato policíaco que no se olvida de cuidar el desarrollo de personajes al mismo tiempo que sabe qué camino tomar en cada momento para darnos una propuesta mucho más elaborada de lo que podría parecer a simple vista. Algunos se quedarán solamente con la extraordinaria secuencia del perezoso, pero hay muchas más cosas que celebrar aquí

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¿Estáis de acuerdo con nuestra selección de las 23 mejores películas de Disney de todos los tiempos o echáis en falta algún título en concreto? Algo me dice que ciertas cintas van a ser muy mencionadas, pero como decía antes esto obedece a mi criterio personal.

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Desde que la Unión Soviética lanzase el primer misil balístico intercontinental a finales de la década de los cincuenta hasta la misión soviético-norteamericana Apolo-Soyuz a mediados de los setenta, las dos potencias mundiales llevaron fuera de la Tierra una nociva rivalidad, extendida —oficialmente— hasta el fin de la Guerra Fría, en el periodo conocido como la "carrera espacial".

Esta competencia podría extrapolarse —de forma mucho más sana— a un campo cinematográfico en el que Estados Unidos es el gran rival a batir; especialmente cuando nos centramos en el terreno del blockbuster. No obstante, desde la industria rusa se han puesto las pilas, plantando cara a la imbatible Hollywood con modestas superproducciones que poco tienen que envidiar a sus homólogas yanquis.

Después de aproximarse al género bélico en la estimable 'Stalingrado', de intentar dar forma a su propio escuadrón de superhéroes en la irregular 'Guardianes' y de apostar por el cine de catástrofes con 'Pánico en el metro', Rusia vuelve a apostar por el espectáculo sin concesiones con 'Salyut-7', saliendo triunfante con un entretenimiento fantástico que, para bien o para mal, captura toda la esencia del blockbuster americano.

Tomando como base la historia real de la estación espacial que da título a la película, cuya avería dio lugar a la catalogada como una de las hazañas más impresionantes de la historia de las reparaciones espaciales, el realizador Klim Shipenko extrae oro puro de los escasos seis millones de dólares de presupuesto para dar forma a un ejercicio tan satisfactorio como totalmente inesperado en términos de calidad y factura.

La épica espacial de 'Salyut-7' puede mirar directamente sin sonrojarse lo más mínimo a producciones hermanas como la 'Apolo 13' de Ron Howard, encontrando las diferencias más evidentes entre ellas en el idioma empleado por su reparto y por la sustitución de las barras y estrellas por hoces y martillos; permaneciendo completamente intacto el resto de la esencia del show astronáutico canónico a lo largo de todo su metraje, lo cual tiene sus pros y sus contras.

Por una parte, la factura técnica y la narrativa del filme lucen impecables; con una cadencia envidiable y una gestión del suspense y la atmósfera que logran mantenerte al borde del asiento durante dos horas que sortean la sensación de resultar excesivas gracias a unos personajes carismáticos y muy bien dibujados, y a unos efectos visuales a la altura de las circunstancias en —casi— todo momento.

Eso sí, abrazar sin pudor las herramientas tonales y estilísticas hollywoodienses supone también impregnar el relato de ese patriotismo exacerbado y esos dejes melodramáticos y cursis a los que ya estamos tan acostumbrados; algo que, para algunos, podría resultar particularmente irritante y un motivo para defenestrar el filme mirándolo por encima del hombro.

Imaginad a un Michael Bay algo más contenido de lo habitual, ponedle un ushanka, dadle una buena botella del mejor vodka que podáis imaginar y el resultado sería esta genial 'Salyut-7': entretenimiento espacial puro y duro que no sólo es capaz de hablarle de tú a tú a cintas como la 'Gravity' de Alfonso Cuarón, a la que adelanta por la derecha sin un ápice de su pomposidad y a golpe de desparpajo soviético.

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La cancelación de 'Lucifer' por parte de Fox tras la emisión de tres temporadas desató la furia entre sus seguidores. Ni siquiera la emisión de dos episodios adicionales, que ya habían sido completados previamente, fue suficiente para que sus fans dejasen de hacer ruido para que alguna cadena o plataforma decidiese rescatarla de entre los muertos. Pues bien, Netflix ha sido la encargada de resucitarla por una cuarta temporada.

Tom Ellis, que da vida al protagonista de 'Lucifer', ya comentó hace unas semanas que era optimista sobre la posibilidad de que alguien se quedase con la serie. Finalmente ha sido Netflix la que ha cerrado un acuerdo con Warner para quedarse con ella. No hay confirmación oficial sobre el número de capítulos, pero en Tv Line señalan que la cuarta temporada estará dividida en diez episodios.

De esta forma, Netflix recupera lo que en su momento estuvo a punto de convertirse en una tradición: devolver la vida series canceladas recientemente. Lo cierto es que habían pasado ya más de tres años que la última vez, en concreto desde que decidió quedarse con 'Longmire' en noviembre de 2014. Que se vayan preparando para una avalancha de peticiones en cuanto alguna cadena vuelva a cancelar alguna serie con fans ruidosos.

Lo curioso es que hasta ahora los rumores apuntaban a que iba a ser Amazon, que ya resucitó hace bien poco a 'The Expanse', la que se quedase con la serie, por lo que imagino que su oferta no era muy alta o que Netflix ha tirado la casa por la ventana para hacerse con 'Lucifer'. Por ahora se desconoce qué integrantes del reparto y el equipo técnico y artístico seguirán en la serie, pero es de esperar que todos o la gran mayoría sigan a bordo.

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"El cambio es como la muerte: nunca sabes cómo es hasta que te encuentras a sus puertas."

Esta siniestra frase de 'Jurassic World: El reino caído' es uno de los pocos diálogos que tiene el carismático Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum) y parece explicar la falta de riesgoen esta franquicia. Dos décadas después, las nuevas entregas siguen reciclando descaradamente ideas de las dos primeras películas dirigidas por Steven Spielberg (aún en los créditos, como productor ejecutivo).

Una vez más, la insensatez y codicia humana crea monstruos con trágicas consecuencias. Como cualquier premisa, es una fuente para mil historias, pero en lugar de intentar ofrecer algo diferente y atrevido, nos vuelven a vender lo de siempre: un nuevo depredador terrible e implacable que dura media película, el conflicto moral de la experimentación genética, los dinosaurios desatados, la T-Rex apareciendo en el momento oportuno para salvar a los protagonistas (¡es tan ligera y veloz!)...

Bayona conquista a la crítica española sin hacer nada especial: copiar a Spielberg (otra vez)

Después de recuperar y destruir el parque en 'Jurassic World' (2015), la secuela quiere complicar las cosas con un volcán en erupción y un rescate de dinosaurios, que por supuesto lleva a otro escenario donde los animales vuelven a estar enjaulados y son expuestos en un espectáculo privado para millonarios. De un gran parque a una mansión. De una gran aventura a un pequeño "cuento" gótico de horror. Pero a la hora de la verdad es más de lo mismo. Y ya aburre.

Spielberg ya jugó con la idea de soltar a los dinosarios dinosaurios en una ciudad, por lo que el giro de esta quinta entrega resulta decepcionante, ni siquiera explotan las posibilidades: lo dejan para 'Jurassic World 3'. 'El reino caído' se limita a ser una mera transición, un segundo acto sin principio ni final, dos horas para sacar a los dinosaurios y dejar un teaser de lo que vendrá más adelante. Lamentable.

Por supuesto, todo está muy bien envuelto y presentado para que parezca espectacular y nuevo. No deja de ser un blockbuster que ha costado en torno a 170 millones de dólares. Debe resultar apetecible para las masas, faltaría más. Lo raro, y un poco preocupante, es que gran parte de la prensa especializada española está aparentemente enamorada de la película. Se está comiendo el paquete que les ha llegado de Hollywood con la firma de J.A. Bayona, y la están recomendando como si no hubiera un mañana.

J.A. Bayona y Chris Pratt

Si echas un vistazo a las críticas españolas (Bayona está compartiendo todos los elogios en su cuenta de Twitter) puedes encontrar frases como "una soberbia y hasta trascendental película" o "un apabullante espectáculo" o reseñas donde le dan 5 estrellas (de 5 posibles) señalando que es la secuela que se acerca más al nivel de la original. Entonces, ¿cuántas estrellas debe tener la original?

También se está diciendo que Bayona "dota de su sello personal a la exitosa franquicia". ¡Sello personal! ¿CUÁL? ¿El cameo de Geraldine Chaplin? Muchos se la juegan apostando a que el tramo en la mansión es la parte más personal de Bayona: lo cierto es que ya estaba en el guion, escrito por Colin Trevorrow y Derek Connolly, cuando el director recibió el encargo de trasladarlo a la gran pantalla (porque a Trevorrow le gustó 'El orfanato').

Es razonable apoyar y tratar con amabilidad a un cineasta español que debuta en Hollywood, pero lo que están haciendo algunos me parece escandaloso, olvidando que esto, ante todo, es un blockbuster de Universal diseñado para arrasar en taquilla (así lo está haciendo). Llama aún más la atención cuando se compara con lo que están diciendo fuera. Ahora mismo, 'El reino caído' tiene una valoración de 52/100 (7 menos que 'Jurassic World') en Metacritic y un 60% de críticas positivas (11 puntos menos que 'Jurassic World') en RottenTomatoes. Nada especial.

'Jurassic World: El reino caído' tiene un guion bochornoso lleno de disparates

Los habituales ya sabrán que aquí, en Espinof, se ha dicho que 'El reino caído' es la mejor secuela de la franquicia; también hemos publicado otro punto de vista menos entusiasta con la propuesta de Bayona, y un repaso a la saga que valora las cinco películas, y donde la nueva no queda en muy buen lugar. Con estos artículos ya fuera, no tenía la intención de decir nada, salvo que me encontrase algo muy bueno o muy malo...

Sinceramente, no recuerdo haberme aburrido tanto con una película de 'Parque Jurásico'. No opino que sea culpa de Bayona, creo que ha realizado un trabajo eficaz y competente (como el simpático Ron Howard en 'Han Solo: Una historia de Star Wars'). Y deja algunas escenas preciosas, como el triste adiós a la isla (que no falte meter el dedo en el ojo al espectador en un film de Bayona) o ese momentazo del Indoraptor en el tejado, con la Luna de fondo.

Creo que el gran problema de la película es que tiene un guion desastroso. Es curioso cómo Trevorrow realizó la primera parte y va a ocuparse de la tercera, pero cedió la puesta en escena de la segunda; la sensación que me dejó al salir del cine fue que dejó un auténtico marrón al español y éste ha hecho lo que ha podido. Sólo por diversión y como desahogo, aquí enumero algunas de las muchas tonterías que hay en 'El reino caído':

(OJO SPOILERS)

• Entran a robar un trozo de diente en una cápsula submarina... ¿sin saber que dentro hay un dinosaurio tan grande que se los puede comer de un simple bocado?
• Un tipo en el parque, con dinosaurios sueltos, y cuando sus compañeros le hacen señas de alarma, en lugar de salir corriendo responde: "¿Qué pasa? ¡No os oigo! ¿Qué decís?"
• El enorme mosasaurio que escapa al inicio, se lleva el resto de la película sin que nadie lo vea, sin comerse a nadie. Incluso lo vemos nadar junto a unos surfistas al final...
• Parten el discurso de Ian Malcolm para poner un trozo al final diciendo: "Bienvenidos a Jurassic World". Al menos podrían haberlo puesto en otro escenario, ¿debemos entender que vuelve al Congreso para soltar otro discurso en las mismas exactas circunstancias?

• ¡Un doble de John Hammond! Con el mismo bastón y todo.
• Montan una complicada misión específicamente para rescatar a "Blue", en lugar de crear más velocirraptores y adiestrarlos siguiendo las indicaciones de Owen (Chris Pratt).
• Llevan a un chaval (Justice Smith) que resulta ser el típico experto en informática que se inventan los guionistas más vagos: el chico es capaz de resolver cualquier problema que implique un ordenador. ¡Y además es un estupendo buceador!
• ¿Cómo atrapan al T-Rex, si un momento antes estaba en medio de una estampida con el humo y la lava obligando a los dinosaurios a lanzarse por un acantilado?

• Owen decide apuntarse a la misión tras repasar un vídeo de cuando Blue era pequeña, el mismo vídeo que se encuentra la niña, Maisie (Isabella Sermon), en el monitor de un ordenador que alguien ha dejado encendido en el laboratorio secreto de la mansión. Cuando no había nadie trabajando allí. Al igual que el cameo de Goldblum, parece que la grabación era demasiado valiosa y había que exprimirla.
• La cría conocía la clave para entrar en el laboratorio y no hay más seguridad, ni vigilancia.
• ¡La niña es un CLON! Y lo aceptan sin más.
• Iris (Geraldine Chaplin) exclama que está harta de Maisie pero más tarde, cuando la despiden, afirma estar muy unida a ella, como antes a la niña original.

• Eversol (Toby Jones), con un evidente aire a Donald Trump, monta una subasta en la misma mansión de Lockwood (James Cromwell). Y el mismo día que llegan los dinosaurios en barco, directamente de la isla.
• El jeep en el que escapan los protagonistas tiene un motor digno del mejor coche de 'Fast and Furious': ¡vuela para subir al barco!
• Los protagonistas se pasean por el barco sin que nadie los descubra.
• El T-Rex se despierta JUSTO después de sacarle sangre. Por cierto: ¿de verdad hace falta todo el lío de la transfusión?

• ¿El paquicefalosaurio stygimoloch puede romper estas endebles paredes de ladrillos? Pongámoslo aquí, al lado de los humanos que queremos matar (aunque todavía no, después del desayuno). Owen solo sabe de raptors, ¿no?
• El moribundo Lockwood descubre el plan de Eli (Rafe Spall) y le pide que llame a la policía y confiese, estando solos en la habitación. ¿Qué podría salir mal?
• Owen, Claire (Bryce Dallas Howard) y la niña escapan del Indoraptor a pesar de que lo vendieron como un cazador implacable. Incluso, cuando ellos salen corriendo hacia la escalera, el bicho no los alcanza. Vaya timo de bicho, ¿no?
• Igual era porque se trataba de un "prototipo", aunque hasta entonces no tuvo problemas en engañar, matar y comerse a todos los tipos que se fue encontrando. De hecho, ¿cuánto necesita comer? ¿No debería huir de la casa en lugar de obsesionarse con la niña y perseguirla hasta su dormitorio? ¿También hay algo de pedófilo en su ADN?

• Nos muestran que Claire está herida y no puede levantarse, sin embargo, poco después está en el tejado justo cuando el Indoraptor ha acorralado a Owen y la niña, con un arma que ha cogido de... da igual.
• Claire apunta a Owen porque, aparentemente, han ensayado esa jugada antes previendo los movimientos del Indoraptor: él sólo tiene que correr hacia a la criatura y, en el momento justo, deslizarse como si fuera Neo cuando el dinosaurio salte hacia él... De nuevo: ¿qué podría salir mal?
• El villano se ha entretenido y tiene el coche justo en el camino por el que van a salir los dinosaurios. Por supuesto: el T-Rex se lo come. Es su tarea en la franquicia.
• ¿Cuántos dinosaurios hay sueltos? Porque no parecen suficientes como para reproducirse y crear un problema serio a la humanidad. De hecho, sería una sorpresa que no los cacen enseguida.

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Aunque nadie discute a Pixar como la reina del cine de animación y como una de las factorías más importantes del mundo, últimamente sí está siendo blanco de algunas críticas en torno a la calidad de sus películas pero sobre todo al desgaste de su originalidad, culminado con cada vez más secuelas ('Cars 3', 'Los increíbles 2'...) en lugar de nuevos títulos ('Brave', 'Coco'...). ¿Hay verdaderos motivos para preocuparse, o las críticas no tienen demasiado fundamento?

Veamos qué dicen los datos sobre cómo llega Pixar a 2018. En primer lugar, ¿qué dice la crítica profesional? Con los datos agregados de Rotten Tomatoes, la bajada de calidad es notable, sobre todo desde 2010. En aquel año se estrenó 'Toy Story 3', y desde entonces, solo dos de las ocho películas creadas han superado el 8. En los años anteriores lo lograron ocho de diez, una de ellas 'Bichos' ('A Bug's Life') con un ajustado 7,9.

La evolución del estudio Pixar

Las dos excepciones de esta década son las maravillosas 'Del revés (Inside Out)' y 'Coco' -ninguna de ellas es una secuela-, que maquillan una tendencia a la baja que ya es preocupante. Ambas suponen el regreso de la mejor Pixar, el cine de humor y narrativa que encandila a niños y de trasfondo emocional que sacude a mayores. Mientras tanto también se estrenaron algunas de menor encanto, como 'Cars 2', 'Buscando a Dory' o 'El viaje de Arlo' ('The Good Dinosaur').

Durante este tiempo, los presupuestos han ido aumentando desde que Toy Story abriese la lata en 1995. No obstante, en los últimos años han vuelto a reducirse. Ajustándolos por inflación, Toy Story 3 y Cars 2 (2010 y 2011) son las que con más dinero han contado para elaborarse. Desde entonces, una bajada progresiva hasta llegar a las estrenadas en 2017, Coco y Cars 3, cada una con 175 millones de euros.

La recaudación no ha acompañado linealmente al presupuesto o la nota de cada película. Es una locura pensarlo. Pero como ha sucedido con algunas franquicias, como 'Star Wars', sí hay cierta correlación entre presupuesto, recaudación y calidad.

Así y todo, aunque la rentabilidad no sea tan alta porcentualmente, mayores presupuestos implican mayores volúmenes de beneficios, algo que a la postre siempre resulta mejor.

Uno de los problemas de la bajada de calidad está en la proliferación de las secuelas frente a la creación de nuevos títulos. Como decíamos antes, no es casual que lo más destacado de Pixar en los últimos siete años no sean secuelas. El panorama no va a mejorar: las próximas películas en llegar a los cines son 'Los increíbles 2' y 'Toy Story 4', así como otra con 'Suburban World of Fantasy' como título provisional. Más secuelas.

Sobre esto hemos consultado a Ángel Vidal, experto en cine y colaborador en Las Horas Perdidas.

"Depender de secuelas y que haya bajado la producción original creo que responde a la necesidad de la compañía de tener que contentar a los inversores y jefes de Disney.

Hay que pagar las facturas y, aunque las originales también den dinero, las secuelas generan más confianza entre los ejecutivos que arriesgar con algo nuevo".

El mencionado declive también se ve reflejado en los premios Óscar obtenidos o con nominaciones, y también desde Toy Story 3 como punto de inflexión. Lo que antes era inédito, ver películas de Pixar que ni siquiera se llevaban una mísera nominación sin victoria final, ahora es la costumbre.

Vidal considera que no solo hay que tener en mente una bajada de calidad por parte de Pixar, sino también que comparativamente sale peor en la foto cuando al lado tiene a Disney, que hace las cosas cada vez mejor.

"Sobre la bajada a nivel crítico en general de la compañía creo que se debe a una reestructuración a nivel interno de todo el departamento de animación Disney. Desde que Lasseter fue ascendido hace una década han empezado a cuidar mucho más las películas de dibujos no-Pixar y se ha notado una subida de calidad con cintas originales como Enredados, Frozen, Rompe Ralph, Big Hero 6, Zootopia, Moana... que rivaliza con las de la propia Pixar. No es tanto que Pixar haya perdido algo, sino más bien que todo el estudio (Disney) ha salido ganando estos últimos años".

Malditas secuelas

Buena parte de la culpa de esta tendencia a la baja la encontramos en las cada vez más frecuentes secuelas, que quitan recursos para la creación de nuevos títulos, tramas y personajes. En ocasiones salen bien, sobre todo con franquicias muy potentes, como Toy Story. Por lo general, no: cada nueva secuela es una confirmación de que no se puede superar ni igualar el éxito del título original.

¿Por qué se empeña entonces Pixar, cuna de tremendo talento, en continuar con estas producciones? Para encontrar el motivo solo hay que seguir el rastro de los dólares. Concretamente, en el de los dólares que deja el merchandising y los productos licenciados, que puede superar por mucho a la recaudación mundial en taquilla de cada saga. Aunque Pixar no hace públicos estos datos respecto a este tipo de ingresos, en alguna ocasión sí se ha manifestado.

En 2011, con mucha gallina de los huevos de oro aún por explotar, John Lasseter, uno de los directivos de Pixar, contó que solo la franquicia Cars le había supuesto 10.000 millones de euros en merchandising, algo que le sitúa en el segundo puesto solo por detrás de Star Wars. Juguetes, sábanas, tazas, accesorios de cocina, ropa... Mucho por vender que llega a anteponer los billetes al arte y la narrativa. Ángel Vidal lo corrobora:

"También están las propias preferencias de su (ex) jefe, John Lasseter. Cars es el proyecto mascota de Lasseter así que, aunque en lo que a crítica se refiere no sean las mejor valoradas, hay un interés interno en sacar más películas de cochecitos de manera creativa, así como comercial; las ventas de juguetes de Cars generan miles de millones, más que la recaudación de las propias películas. Aunque siempre estén buscando ampliar su cartera de proyectos, ese mercado es muy goloso como para dejarlo escapar".

Sobre esto último en particular habló Vanity Fair el año pasado, y en este tiempo, las pocas noticias que hemos tenido de Pixar han acentuado esta creencia. Si no, es difícil imaginar por qué motivo se incluyó un corto con Olaf (Frozen) como protagonista antes de Coco. El corto resultó ser tan malo y provocó tantas quejas que Disney pidió a las salas de cine que dejaran de proyectarlo.

Pero lo cierto es que ningún personaje calavérico de la entrañable y mágica Coco vendería tantos muñecos para Navidad como un alegre muñeco de nieve llamado Olaf. Y en estas andamos. Bienvenidos a la nueva Pixar.

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El cine es un elemento orgánico e inseparable de su propio contexto. La realidad se inmiscuye necesariamente en el audiovisual como toma de conciencia y compromiso con su propio mundo. Y tras mi paso por el Festival de Annecy, confirmo la sospecha que tenía antes de llegar y que pasa de hipótesis a realidad ineludible: la animación como medio está tanto o más comprometida con su contexto que el cine de imagen real.

La selección oficial, repleta de propuestas muy dispares, ha aglutinado segmentos de una animación de corte conceptual y experimental, con el marcado caso de la fascinante 'La casa lobo' y la mágica 'Insects', pero también ha mostrado en su programación preocupación sobre los problemas de su época. Películas como 'El pan de la guerra', 'Funan' o 'Tito e os pássaros' han tomado las riendas de la reivindicación, haciendo de sus argumentos un reclamo frente a las injusticias y la memoria.

El compromiso social no sólo ha ido en la línea geopolítica, con el caso del conflicto israelí que reflejan 'Wall' y, en parte, 'Seder-masochism', sino también con la necesidad de contar historias femeninas, así como reivindicar el papel de la mujer delante y detrás de las cámaras. De nuevo aparece aquí 'El pan de la guerra' y también 'Virus tropical' así como películas fuera de concurso: 'Liz and the blue birds', 'Dilili à Paris' u 'On happiness road'.

La problemática, además de tratar asuntos sociales de nuestro tiempo, también ha puesto en el punto de mira la cuestión del individuo contemporáneo. Aquí sobresale la excelsa y metafísica ‘Mirai’, y resuenan ‘On happiness road’ y ‘Okko’s Inn’, que tratan con delicadeza el conflicto del individuo como ente social, así como la asunción de condiciones universales tan variopintas como el paso del tiempo, las expectativas sociales o la muerte.

Las historias nos convierten en humanos, las historias construyen nuestra identidad. Esta necesidad del ser humano como storyteller también ha sido otro de los troncos temáticos del festival, que en su programación ha contado con películas que han tratado el asunto de la creación de historias, con el destacado caso de ‘Hoffmaniada’, pero también de los relatos como constructores del yo y el nosotros, tal como ocurre con ‘El pan de la guerra’, ‘The tower’ y ‘The last fiction’.

Annecy es un festival poco común, porque a pesar de su dimensión internacional, es una celebración íntima y cercana. Esta fiesta del cine y la animación, con el sentimiento familiar y de comunidad que se genera en el pueblo francés, se refleja en la ilusión de todos los asistentes. Este atípico evento, lleno de magia y fantasía, solo tiene un momento de tristeza: su final, que llega con el Cristal al mejor largometraje para ‘Funan’, el doble premio (público y jurado) para ‘El pan de la guerra’ y la mención del jurado a ‘La casa lobo’.

El año que viene el festival estará dedicado a la animación japonesa, y promete volver a ser una fiesta por todo lo alto con todo lo que se viene. Esperaremos, entre otros, lo nuevo de Masaki Yuaasa, anunciado en la charla que realizó dentro de la programación del festival, y posibles adelantos de la despedida de Miyazaki del cine, que, en principio, será estrenada en 2021.

Palmarés: éstas han sido las galardonadas en Annecy 2018

• Cristal al mejor largometraje: 'Funan', Dennis Do
• Premio del jurado a largometraje: 'El pan de la guerra', Nora Twomey
• Mención del jurado a largometraje: 'La casa lobo', Cristóbal León y Joaquín Cociña
• Premio del público a largometraje: 'El pan de la guerra', Nora Twomey
• Cristal al mejor cortometraje: 'Bloeistraat 11', Nienke Deutz
• Premio del jurado a cortometraje: 'Weekends', Trevor Jimenez
• Mención del jurado a cortometraje: ' Biciklisti', Veljko Popovic
• Premio del público a cortometraje: 'Weekends', Trevor Jimenez
• Premio "Jean-Luc Xiberras" a la ópera prima: 'Egg', Martina Scarpelli

Las diez mejores películas del festival

1) 'Mirai', de Mamoru Hosoda (Japón)

2) 'La casa lobo', de Sebastián Cociña y Cristóbal León (Chile)

3) 'Insects', de Jan Svankmajer (República Checa)

4) 'Hoffmaniada', de Stanislav Sokolov (Rusia)

5) 'Liz and the blue birds', ,de Naoko Yamada (Japón)

6) 'El pan de la guerra', de Nora Twomey (Irlanda)

7) 'On happiness road', de Hsin-Yin Sung (Taiwán)

8) 'Dilili à Paris', de Michel Ocelot (Francia)

9) 'Seder-masochism', de Nina Paley (Estados Unidos)

10) 'Funan', de Dennis Do (Francia)

Me sorprende que 'Mirai', probablemente la mejor película de todo el festival por su ligereza y sencillez, no se haya alzado con el Cristal a mejor largometraje. 'La casa lobo', enigmática y terrible, fue de las primeras que vi en Annecy, y aún resuena en mi cerebro. Me ocurre igual con 'Insects' y 'Hoffmaniada', obras personalísimas y contrapuestas entre sí.

Naoko Yamada me encandiló con 'Liz and the blue birds' por su sensibilidad y sentido estético,'El pan de la guerra' por su reclamo y 'On happiness road' por su reflejo del conflicto del individuo en nuestra sociedad. 'Dilili à Paris' es una preciosa carta de amor a la ciudad de las luces, y 'Seder-Masochism' una divertidísima y crítica cinta que me ganó con su ironía musical. Cierra el top 'Funan', ganadora de esta edición que, a mi juicio, está un paso por detrás de las nombradas de la sección oficial, sin dudar de su calidad.

Aquí puedes leer todas las opiniones de estas diez y las demás películas que he visto en el 42º certamen de Annecy.

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Las aventuras de Kimmy Schmidt están llegando a su final. La primera parte de la cuarta y última temporada de la serie se estrenó el pasado 30 de mayo y todo en ella huele a cerrar la gran historia vital de nuestra protagonista. Un final definitivo que llegará el próximo enero y que tiene toda la pinta de estar lleno de genialidad.

La verdad es que estaba algo reticente a ver estos nuevos episodios ya que la temporada 3 de 'Unbreakable Kimmy Schmidt' me dejó un poco frío. Sin embargo fue que empezara a sonar "Little Girl... Big City", la sintonía con la que abre esta cuarta temporada y tener la sensación de que me lo iba a pasar en grande.

Así, la temporada 4 de 'Unbreakabe Kimmy Schmidt' nos presenta a Kimmy (Ellie Kemper) intentando encajar en la startup tecnológica en la que ha sido contratada por ser la única con habilidades sociales (es, junto con el robot C.H.E.R.Y.L. la única mujer). Algo que tardará en hacer debido a su modo de ser y a un melón en torno a su vida en el búnker y el reverendo Wayne (Jon Hamm) que no será capaz de controlar.

Mientras, Titus (Tituss Burgess) se plantea un plan para conquistar a Mike y empieza a fingir que es el protagonista de una serie random de las miles que hay en antena. Aquí entrará Jacqueline (Jane Krakowsky), que abrirá (de okupa) "White Talent", para representarle. Algo que empezará a crecer cual bola y llevará a decisiones y escenas brillantes.

Es seguro decir que 'Unbreakable Kimmy Schmidt' ha vuelto con algunos de los mejores episodios de su historia. No solo de la serie en sí, sino que 'Party Monster: Scratching the Surface' es, probablemente, el mejor episodio de comedia de lo que llevamos de año: un falso documental en el que DJ Fingablast busca al mejor DJ para su boda.

Él quiere a DJ Slizzard (aka Wayne), pero cuando descubre que está en la cárcel éste convierte el documental en uno en el que intenta demostrar la inocencia del infame reverendo. Un episodio desternillante que está puesto en el momento perfecto tanto de la temporada como de la serie y por el que vemos que el final de esta está próximo de verdad.

Meredith Scardino, guionista habitual de la serie, le da el tono justo para que un episodio tan atípico logre conservar la identidad de la serie mientras que Rhys Thomas lo encapsula con su mano experta. No en vano es un veterano de los falsos (y no tan falsos) documentales teniendo en su filmografía series como 'Documentary NOW!'. El resultado es como si 'The Jinx' y 'American Vandal' tuvieran un hijo.

Si 'Unbreakable Kimmy Schmidt' tiene el episodio del año, el resto de la temporada no se queda atrás. La serie de Tina Fey y Robert Carlock ha recobrado, en parte, esa genialidad de sus primeras temporadas y la frescura con la que Kimmy llegó a nuestras vidas.

A igual que con '30 Rock', la serie no escatima en sus referencias y en sus miradas críticas y exageradas hacia la parafernalia del mundo del entretenimiento. Y, en la gran mayoría de los casos, aciertan tanto por el tono como en la intención.

Lo malo de esta primera mitad de la temporada 4 de 'Unbreakable Kimmy Schmidt' es, precisamente, que sus seis episodios se ven un un suspiro. Tanto que una parte de mí se enfadó porque Netflix no me reproducía automáticamente el, todavía inexistente, séptimo episodio.

Ahora toca esperar a finales de enero para ver el final de la serie. De momento, lo visto hasta ahora es de un nivel sobresaliente, por lo que espero que no bajen y nos regalen un último tramo tan delicioso como promete.

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Otra semana más está a punto de quedar atrás y en Espinof eso equivale a realizar nuestro ya tradicional repasado a las mejores ofertas sobre el mundo del cine y la televisión de estos últimos días. El menú de esta semana incluye el steelbook de 'Creed', la serie completa de 'Entourage' y un curioso felpudo de Star Wars. ¡Vamos allá!

• Steelbook de Creed': el disfrutable spin-off -y también secuela- de la saga creada por Sylvester Stallone por la cual el actor llegó a ser nominado nuevamente al Oscar. No tengáis miedo de que sea la edición francesa, incluye tanto audio como subtítulos en español: 9,30 euros

• Steelbook de 'En el nombre del padre' en blu-ray: una buena oportunidad para hacerse con la edición italiana en alta definición que incluye caja metálica y el mismo disco que se vende en España: 13,54 euros

• 'El precio del poder' en blu-ray con libreta Moleskine: otra de esas ediciones que no han vendido como esperaban y ahora se puede conseguir a un precio interesante: 9,90 euros

• 'Nightcrawler' en blu-ray: sigo sin entender que los Oscar pasasen de la extraordinaria interpretación de Jake Gyllenhaal en esta notable película que ahora podéis conseguir muy bien de precio en alta definición 7,99 euros

• Steelbook de 'Master and Commander' en blu-ray: la aclamada película de Peter Weir protagonizada por Russell Crowe en una cuidada edición en caja metálica: 9,29 euros

• 'Entourage', serie completa en dvd : 34,99 euros

• Steelbook de 'El misterio de Salem´s Lot': la celebrada adaptación de la novela de Stephen King realizada por Tobe Hooper que en España intentaron vendernos con el título de 'Phantasma 2': 12,75 euros

• 'House', serie completa en blu-ray: la mejor opción para hacerse con la serie completa encabezada por Hugh Laurie en alta definición es la edición inglesa que incluye tanto audio como subtítulos en español: 49,89 euros

• 'The Flash', primera temporada en blu-ray: la mejor temporada hasta ahora de la mejor serie de superhéroes de The CW. Y a este precio merece la pena plantearse hacerse con ella: 17 euros

• 'Los Ángeles de Charlie', serie completa en dvd: este pack tiene un precio inmejorable, pero para algunos será una pega importante que solamente las dos primeras temporadas incluyan doblaje y subtítulos en español: 15,89 euros

• Felpudo de Star Wars: una buena adición a la casa de cualquier amante de la saga creada por George Lucas. La única pega es que a algún vecino le guste y decida quedárselo...: 10,90 euros

• Muñeco de Hulk:una simpática figura perteneciente a la línea Mighty Muggs dedicada al poderoso alter ego de Bruce Banner: 11,59 euros

• Funko Pop de Mr. Meeseeks: el personaje clave en mi episodio favorito de 'Rick y Morty' también tiene su cabezón dentro de los populares muñecos de Funko: 8,17 euros

• Caja de música de 'La La Land': para los amantes de la cinta protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone. Incluye la célebre canción 'City of Stars': 14,85 euros

• Hucha de Batman: una buena forma de animarte a ir guardando esas monedas con las que no sabes qué hacer y de paso tendrás una curiosa figura basada en el justiciero de Gotham en la versión televisiva de Adam West: 18,50 euros

¿Más ofertas?

Si tras todo esto nuestra sección de los viernes se te queda corta, puedes estar al día y en cada momento informado de las principales ofertas en los cazando gangas de Xataka, Xataka Móvil, Xataka Android, Vida Extra y Applesfera, así como con nuestros compañeros de Compradicción. Puedes ver todas las gangas que publican en Twitter y Facebook, e incluso suscribirte a sus avisos vía Telegram.

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Los superhéroes vuelven a dominar la taquilla. Esta vez son 'Los Increíbles' de Pixar, cuya secuela llegó a los cines de 26 países este fin de semana. En Estados Unidos ha arrasado con 180 millones de dólares, logrando un nuevo récord para el cine de animación; curiosamente, la mejor marca la tenía otra secuela de Pixar, 'Buscando a Dory' (2016), que hizo 135M$.

'Los Increíbles 2' también logró el mejor día en taquilla para una película de animación (71,5M$) y el 8º mejor estreno de la historia en EE.UU., superando la cifra de 'Capitán América: Civil War' (2016). Por cierto, Disney posee 9 de los 10 mayores estrenos de todos los tiempos en el mercado norteamericano. La única que no es suya es 'Jurassic World' (2015) —la continuación de ésta, 'El reino caído', llega a las carteleras de EE.UU. el próximo viernes—.

Hace 12 años que vimos la primera aventura de los Increíbles. Se estrenó con 70 millones en EE.UU. y terminó su carrera comercial cosechando 633M$; con el paso del tiempo fue ganando más seguidores y se consolidó como uno de los títulos más queridos del estudio. Su impresionante estreno demuestra que había ganas de secuela aunque también cabe tener en cuenta que el momento ha sido muy oportuno.

Gracias a Marvel, Disney está explotando el filón de los superhéroes más que nunca y este fin de semana se celebró en EE.UU. el día del padre, una ocasión ideal para que las familias acudieran al multicines más cercano para divertirse con la novedad de Pixar distribuida por Disney. En los otros 25 países, 'Los increíbles 2' sumó 51,5 millones, por tanto, el total del primer fin de semana asciende a 231,5M$. Recordemos que en España tenemos que esperar al 3 de agosto para poder verla. Muy mal, Disney...

TOP 10 de la taquilla en EE.UU.: Pixar arrasó con todo

La tabla muestra el impacto del estreno de 'Los increíbles 2' en el box office USA. Sólo 'Ocean's 8' se acercó a los 20M$ durante el pasado fin de semana. En 3ª posición entra 'Tag', una comedia para adultos protagonizada por Jon Hamm, Ed Helms, Jake Johnson, Hannibal Buress y Jeremy Renner (quien se rompió los dos brazos en el rodaje); 14,6M$ no es un gran estreno para el film distribuido por Warner pero sólo costó 28.

La otra novedad que aparece en el ranking es 'SuperFly', remake del film de 1972 sobre un traficante de cocaína que intenta realizar un último trato antes de dejar el mundo del crimen. La puesta en escena corre a cargo de "Director X." y el reparto está encabezado por Trevor Jackson, Jason Mitchell, Lex Scott Davis, Jennifer Morrison y Michael K. Williams.

Fuera de EE.UU. reinan los dinosaurios

TOP 5 Weekend Provisional
1-Jurassic World: El reino caido 2,8M€
2-¡Qué guapa soy! 0,2M€
3-Han Solo: Una Historia de Star Wars 0,2M €
4-Deadpool 0,2M€
5-Campeones 0,2M€

— comScoreMoviesSpain (@cSMoviesSpain) 18 de junio de 2018

A falta de comprobar cómo funciona en EE.UU., 'Jurassic World: El reino caído' sigue triunfando en las carteleras del resto del mundo. Este fin de semana sumó otros 173 millones de dólares (111 de ellos sólo en China) y a estas alturas ya lleva 370M$. Otro éxito para la franquicia y una excelente noticia para el español J.A. Bayona, que debuta en Hollywood. Espero que la próxima vez (seguro que le están lloviendo ofertas) tenga más suerte con el guion.

La película consiguió en España el mejor estreno de lo que llevamos de año (7,1M€) y en dos semanas lleva acumulados 13,1 millones de euros.

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Netflix sigue apostando con fuerza por la ficción española, una de las mejores formas de asegurarse el interés de un importante sector del público de nuestro país. Su nuevo movimiento en esa dirección ha sido anunciar que 'Hache' será su próxima producción española y que ha fichado a Javier Rey y Adriana Ugarte para encabezar el reparto.

Inspirada en hechos reales, 'Hache' cuenta la historia de Helena (Ugarte), una mujer que es nombra jefa del tráfico de heroína en Barcelona durante los 60. La serie está creada y escrita por Verónica Fernández, en cuyo haber hay participaciones en obras como 'Cuéntame', 'El Comisario', 'El Príncipe' o 'Velvet Colección'.

La primera temporada de 'Hache' constará de ocho episodios y cada uno de ellos durará una hora. Detrás de ella tenemos a WEEKEND STUDIO, en la que será su primera colaboración con Netflix. Tomás Cimadevilla y Jorge Iglesias, productores ejecutivos de la serie, han comentado lo siguiente sobre esta alianza: "Nuestra vocación como empresa es global y con Netflix ese objetivo está asegurado. Confiamos en que ésta sea la primera etapa de una larga y fructífera colaboración”.

Recordemos que Rey ha saltado recientemente a la fama tras interpretar a Sito Miñanco en 'Fariña', serie que casualmente ha pasado a formar parte del catálogo de Netflix hace unos días, mientras que Ugarte llamó la atención del público hace unos años dando vida a Sira Quiroga en 'El tiempo entre costuras'. Por ahora no se sabe cuándo podremos verlos en acción en 'Hache'.

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La dinámica que está siguiendo la serie esta temporada, alternando episodios lineales y que ahondan en tiempos, escenarios y personajes específicos -el viaje a Shogun World, el origen de la Nación Fantasma...- con otros que impulsan hacia adelante el choque entre anfitriones y humanos(bueno, con 'Westworld' nunca se sabe hacia dónde está ese "adelante"), nos coloca a puertas del final de la segunda temporada. Y toca ahondar en el conflicto principal.

Y lo hace mostrándonos las intimidades y el pasado de uno de los personajes emblemáticos de la serie (tanto que muchos pensamos, en sus primeros compases, que era el equivalente al Yul Brynner de las películas, una teoría que rechazamos en poco tiempo... y que quizás no estaría de más retomar ahora): William, el Hombre de Negro, el único personaje al que hemos conocido con dos edades y que da buena medida, mejor que ningún otro, de hasta qué punto la historia del parque se extiende a lo largo de varias décadas.

[[actualizacion: {"text":"Spoilers a partir de aquí"}]]

Sin embargo el esperado momento en el que la serie se decide a hincar el diente a una de sus creaciones más memorables es también una trampa, porque deja a la vista hasta qué punto el personaje extraordinariamente interpretado por Ed Harris está, también, algo vacío por dentro. Ahora que conocemos su (posible) auténtica naturaleza y el trágico destino de su mujer, su obsesión con desenredar la complicada madeja de tramas y planes del parque carece del punto trágico de -paradójicamente- seres abiertamente artificiales como Maeve o Dolores.

Al final, tanto hablar de la oscuridad que le atosiga y que guía sus pasos queda en eso, en palabras rimbombantes que, eso sí, conducen a una de las grandes escenas del episodio: la muerte de su hija Emily, que William confunde con una pieza más en el plan de Arnold. Un plan que por un instante podemos llegar a pensar que solo está en la cabeza de William (si no supiéramos bien que a Arnold también hay que darle de comer aparte). En cualquier caso, quizás es a partir de aquí donde el Hombre de Negro puede encontrar el tic trágico que ha hecho tan memorables a algunos anfitriones.

De camino al gran final

La gran traca final de hora y media promete mostrarnos los secretos del núcleo del parque, donde acabarán de un modo u otro todos los personajes. De momento, este episodio hace su trabajo de preparar el camino, pero es efectivo solo a medias: hay muertes de personajes principales, sí, pero por ejemplo, el suicidio de Teddy deja un sabor de boca amargo por su arbitrariedad y el poco esfuerzo que se ha invertido en justificarlo (posiblemente el impacto que causará en el comportamiento de Dolores será mayor que el que ha causado en el espectador).

Otro ejemplo: una moribunda Maeve, tras permanecer varios episodios fuera de combate por culpa de un sangriento tiroteo que debía haber tenido más implicaciones reales, es resucitada por un Ford que cumple un papel de deus ex machina absolutamente literal. Finalmente, Bernard y Elsie juegan a la confusión con una escena que aparenta tener trascendencia pero cuyos efectos ya hemos contemplado: transcurre antes de otras secuencias en las que ya hemos visto a Bernard en tesituras peores.

Lo que sí es cierto es que 'Westworld' ya ha encontrado una dinámica para combinar sorpresas y pequeños empujones a la acción principal que otorga interés hasta a los capítulos más flojos (este no lo es: solo se nota en demasía su condición de trampolín hacia la conclusión). En este caso tenemos imágenes tan poderosas y hábilmente metafóricas como la de Bernard borrando de su programa el fantasma de Ford. O a Clementine convertida en arma de destrucción masiva de anfitriones a las órdenes del parque.

O todo lo relativo a la mujer de William: quizás sea un flashback con demasiadas emociones en muy poco tiempo, pero funciona a la hora de apuntalar la relación entre el personaje y su hija. Y la propia muerte de Emily, si bien es cierto que fulmina a uno de los pocos personajes reales de la serie, proporciona cierta hondura al personaje del Hombre de Negro y, dadas las características que se cuentan sobre el destino del décimo capítulo, cabe la posibilidad de que volvamos a verla. De un modo u otro.

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La noticia 'Westworld' 2x09: al borde del final de temporada, descubrimos el lado más oscuro del Hombre de Negro fue publicada originalmente en Espinof por John Tones .

El próximo viernes Movistar+ estrena su última serie original: 'El dia de mañana', adaptación de la novela homónima de Ignacio Martínez Pisón centrado en Justo Gil (Oriol Pla) un joven emigrante que llega a la Barcelona de 1970 en búsqueda de cumplir sus ambiciones para acabar siendo un chivato de la brigada social de la policía del franquismo.

La serie cuenta entre sus protagonistas a Pla, Aura Garrido, Jesús Carroza y Karra Elejalde entre otros, un guion a cargo de Alejandor Hernández y Mariano Barroso, que también se encarga de dirigir la serie. En Espinof hemos tenido la oportunidad de sentarnos con los protagonistas y con Barroso, recién nombrado presidente de la Academia de Cine español, sobre cómo ha sido trasladar esta novela al formato serie.

'El día de mañana' se publicitó en ese primer momento como una serie sobre la brigada social del franquismo. Sin embargo no es del todo cierto, ya que es un retrato de toda una generación a través de testimonios sobre Justo Gil. De hecho ese era el primer reto al que se enfrenta Mariano Barroso en su guion:

Era una de las cosas que hacía más interesantes el proyecto porque justamente esa visión polifónica/poliédrica de la historia hacía que la suma de todas las visiones de todos los personajes sobre Justo Gil fuera la visión más fiel de lo que probablemente podía ser ese personaje. Lo bueno de ser una serie es que te permite ir desplegando y desplegando capas y de repente descubrir en el capítulo cuatro que este hombre saca unas astucias que hasta ese momento no hemos conocido, no? y puede seguir así, podríamos seguir más capítulos porque cada vez vamos descubriendo algo nuevo... y lo mismo de Jesús y de Aura.

Entonces esa visión lo que nos daba era unas cuantas tramas distintas de cada uno de los personajes y lo que hicimos fue ordenarlo lo primero por tiempo, que eso en la novela viene un poco desordenado. Bueno no desordenado sino con un orden que no es el cronológico. Y luego por importancia de las tramas: añadimos alguna, suprimimos otras porque era muy extenso e hicimos el trabajo que se hace en cualquier guion. Escribir por las mañanas y dormir por las noches.

Y aquí es donde entra esa figura polifacética que es Justo Gil, donde se decidió que fuera encarnado por Oriol Pla, de quien se deshizo en halagos:

Si yo fuera financiero, compraría acciones de Oriol Pla: es un actor estratosférico, es una fuerza de la naturaleza y luego tiene una cosa que es que es alucinante y es el mejor regalo para un director, que es su flexibilidad física y emocional y luego que le gusta hacer el payaso entre tomas y eso se agradece mucho. Básicamente fue por eso [risas] No, es un actor descomunal y es una fuerza de la naturaleza que a mí me recuerda a los mejores actores con los que he tenido la suerte de trabajar. Estamos hablando de Oriol solo.

A la hora de realizar 'El día de Mañana', Barroso reconoce que el mayor reto ha estado en plasmar esa época siendo conscientes de que sus protagonistas, aun viviendo en tiempos de revuelta y cambios, tienen sus propios sueños y sus propias ambiciones, yendo más allá del franquismo.

El reto ha sido el encontrar el retrato de una época a traves de lo pequeño, a través de los dramas de los personajes en lugar de querer aspirar a una historia épica y contar cómo venían los cien mil manifestantes por ahí y los treinta mil policías. No, hemos ido a las miserias y a los sueños de esta gente, de los personajes de Oriol, de Aura, de Jesús y a través de ellos contar los de una sociedad que buscaba su identidad en esa época.

El franquismo es un telón de fondo aquí. Lo que pasa es que viene representado por unos personajes que son en concreto el de Karra y Jesús, que es un policía al servicio de Karra... que encarnan la parte más oscura de la época. Nuestro oficio no es criticar, es mostrar las vivencias de unos personajes y cada actor defender a muerte el personaje que está haciendo, aunque sea un torturador del franquismo.

Hablando sobre los paralelismos que se pueden encontrar entre la situación y revueltas de la época y el panorama de la Cataluña actual, Barroso admite que causaba cierta preocupación y, a su vez, que fue un clima la mar de propicio para crear la tensión necesaria en 'El día de Mañana':

Había una cosa muy curiosa y era que si te pones a buscar en la letra, no tenía mucho que ver porque eran épocas distintas. Pero sí en los sentimientos: había una convulsión en la calle que a veces nos hacía hasta dudar si íbamos a rodar o no. Y entonces esa convulsión, que no era nada agradable, afectaba a todo lo que estábamos haciendo. Pero luego visto con el tiempo, creo que algo se ha filtrado a la serie. Y dentro de la serie le viene bien esta especie de nerviosismo porque estábamos todos un poco con el qué va a pasar, qué ha pasado hoy... y eso que en la vida no es muy agradable, porque es una incertidumbre es como la ausencia total de entendimiento pues a la serie le venía bien a nivel interno.

Respecto al futuro de la serie, Mariano Barroso no cierra la puerta a expandir 'El día de mañana', si bien no puede entrar en detalles, aseguró interesarse por las precuelas y spin-offs que podrían aportar cada personaje: desde las aventuras de Carme (Aura Garrido) como actriz en el teatro del Lliure hasta una saga política protagonizado por Mateo (Jesús Carroza) pasando por las aventuras rurales del pasado de Justo.

Lo que sí que deja claro Barroso es lo que ha disfrutado rodando 'El día del Mañana':

Recuerdo muchísimas escenas que hay que me hacían vibrar y me hacían aprender. Entre el juego de actores había muchas escenas que acabábamos y hacíamos como los futbolistas que marcaban un gol. No una ni dos, ni tres... decenas. Es lo bueno de las series, que hay tantas escenas que no se acababan nunca. Llegó un momento que era un poco como ¿pero todavía quedan escenas por hacer? Y ese era el mayor disfrute, cuando veíamos que aquello estaba.

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La noticia "El franquismo es un telón de fondo para la serie". Mariano Barroso, director de 'El día de mañana' fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Ya sea sobre césped, tierra o parqué, al aire libre, dentro de un cuadrilátero o en una pista cubierta, prácticamente cualquier disciplina deportiva posee todos los ingredientes —rivalidad, sacrificio, ambición, sudor, lágrimas y, en muchas ocasiones, también sangre— para dar forma a un relato cinematográfico que, de ser abordado con inteligencia y buen hacer, puede resultar antológico.

Dicho esto, no es de extrañar que muchas de las películas pertenecientes al subgénero del drama deportivo hayan trascendido a su categoría para ser recordadas como grandes trabajos dentro de la historia del cine; así que, aprovechando el fervor que está desatando estos días el fútbol gracias al Mundial de Rusia, os traemos esta lista en la que recopilamos las 27 mejores películas deportivas de todos los tiempos.

'El orgullo de los Yanquis' ('The Pride of the Yankees', 1942)

Dirección: Sam Wood

Reparto: Gary Cooper, Teresa Wright, Babe Ruth, Walter Brennan, Dan Duryea, Elsa Janssen, Ludwig Stössel

Aunque sólo se alzase con uno de los once Oscars a los que optó en la ceremonia de 1943 —el de mejor montaje—, 'El orgullo de los Yanquis', a medio camino entre el biopic y el drama deportivo, resulta una auténtica delicia tanto en aspectos técnicos como artísticos. Su emotivo retrato de la leyenda del béisbol Lou Gehrig —interpretado por un inconmensurable Gary Cooper—, su fantástica dirección fotografía y la intachable puesta en escena de Sam Wood hacen a esta cinta merecedora de un hueco en la filmoteca particular de todo amante del buen cine y los deportes.

'Carros de fuego' ('Chariots of Fire', 1981)

Dirección: Hugh Hudson

Reparto: Ben Cross, Ian Charleson, Nigel Havers, Cheryl Campbell, Alice Krige, Ian Holm

Aunque lo primero que suele llegar a nuestra mente al leer o escuchar el título de 'Carros de fuego' es la eterna banda sonora compuesta por Vangelis para la ocasión, este drama deportivo destaca por formar parte —merecidamente— de ese selecto grupo de operas primas galardonadas con el Oscar a la mejor película. El primer trabajo de Hugh Hudson es tan académico en términos formales como sobradamente efectivo: impecable visualmente, con un libreto contenido y estructurado a la perfección y con una capacidad de emocionar que no ha envejecido lo más mínimo en los últimos 37 años.

'Un domingo cualquiera' ('Any Given Sunday', 1999)

Dirección: Oliver Stone

Reparto: Al Pacino, Cameron Diaz, Dennis Quaid, James Woods, Jamie Foxx, LL Cool J

Puede que formalmente 'Un domingo cualquiera' padezca en exceso la tónica hortera y desmadrada que marcó a muchas producciones de finales de los noventa; pero que me aspen si no es uno de los ejercicios más intensos dirigidos en torno al fútbol americano. Quién mejor que Oliver Stone para escudriñar durante casi tres horas en los rincones más oscuros de este deporte, y quién mejor que Al Pacino para dar vida al mítico entrenador D'Amato en una experiencia tan estimulante como ganar un partido con un touchdown en el último segundo.

'The Damned United' (2009)

Dirección: Tom Hooper

Reparto: Michael Sheen, Timothy Spall, Colm Meaney, Jim Broadbent, Joe Dempsie, Stephen Graham, Maurice Roeves, John Savage

Coge un director con el más que demostrado talento de Tom Hooper, súmale un guionista que ha dado a luz libretos como el de 'Frost contra Nixon', 'La reina' o 'El último rey de Escocia', completa la mezcla con un reparto de primer nivel con algunos de los mejores intérpretes británicos del momento y el resultado es la que, probablemente, sea la mejor película futbolística de la historia del cine. Su fantástica dirección, su tono —que no se deja ahogar en los terrenos del drama— y una historia real apasionante y con poso la convierten en una firme candidata a formar parte de esta lista.

Crítica en Espinof: 'The Damned United', portentoso retrato de la soledad del entrenador

'Evasión o victoria' ('Victory', 1981)

Dirección: John Huston

Reparto: Sylvester Stallone, Michael Caine, Max von Sydow, Daniel Massey, Carole Laure, Michael Cochrane

Sólo una leyenda como John Huston podía convertir una idea tan disparatada como la que da forma a la premisa de 'Evasión o victoria' en un clásico de culto que triunfa tanto desde la perspectiva del drama carcelario como del filme deportivo. Por encima de la dirección del maestro Huston cabe destacar un reparto en el que grandes nombres de la interpretación como Max von Sydow o Michael Caine compartieron set con jugadores de la talla de Bobby Moore, Osvaldo Ardiles o el mismísimo Pelé. Una entretenidísima vuelta de tuerca al cine de la II Guerra Mundial que funcionó a las mil maravillas en taquilla —y con razón—.

'El luchador' ('The Wrestler', 2008)

Dirección: Darren Aronofsky

Reparto: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Judah Friedlander, Ajay Naidu, Mark Margolis

'El luchador' de Darren Aronofsky no es sólo un excelente y conmovedor drama, dirigido con el indistinguible sello del realizador neoyorquino, protagonizado por un Mickey Rourke que hace gala de una sensibilidad desbordante y fotografiado en unos hermosos 16mm por una Maryse Alberti en estado de gracia. Además de todo esto, es una fiel representación del mundo del wrestling alabada por personalidades como Vince McMahon —presidente de WWE—, Bret Hart o el mismísimo Roddy Piper, y que cuenta con grandes profesionales de la industria de la lucha libre como Necro Butcher, John Zandig, Chuck Taylor o Nate Hatred como secundarios de lujo.

Crítica en Espinof: 'El luchador', cuando la vida golpea duro

'Murderball' (2005)

Dirección: Henry Alex Rubin, Dana Adam Shapiro

Reparto: Joe Soares, Keith Cavill, Mark Zupan

Pensar en un documental que gira sobre deportistas de élite cuadriplégicos, confinados a una silla de ruedas, puede invitar a pensar en un tono lacrimógeno y propenso al drama casi pornográfico. Nada más lejos de la realidad, porque aunque 'Murderball', nominada al Oscar en 2005, relate con dureza la vida de estos jugadores de rugby —y la eterna rivalidad entre EE.UU. y Canadá—, lo hace con un gusto especial por la violencia del deporte, las salvajes personalidades de sus protagonistas y el nervio de una narrativa capaz de dejar con la mandíbula desencajada al espectador más pintado. Irrepetible.

'Senna' (2010)

Dirección: Asif Kapadia

Reparto: Ayrton Senna, Alain Prost, Nigel Mansell, Ron Dennis, Jean-Marie Balestre

Muy pocos nombres dicen tanto de un deporte como la Formula 1 como el de Ayrton Senna: el malogrado piloto brasileño que falleció en un accidente durante el Gran Premio de San Marino diez años después de su debut al volante. Por supuesto, una figura como la de Senna merecía un documental biográfico a la altura, y este, firmado por Asif Kapadia, eleva el género a una nueva dimensión con una narrativa tan arriesgada como atípica, una realización sorprendente y un uso del material de archivo inédito realmente sobrecogedor.

'Rush' (2013)

Dirección: Ron Howard

Reparto: Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Alexandra Maria Lara, Olivia Wilde, Pierfrancesco Favino, Natalie Dormer

Nada como una férrea rivalidad entre dos grandes históricos de un deporte para dar forma aun largometraje memorable. En este caso, las figuras de los pilotos James Hunt y Niki Lauda le sirvieron a Ron Howard como excusa para dar forma a una de las mejores películas de su carrera como director y, definitivamente, a una de los mejores dramas deportivos de la historia. Un ritmo endiablado en el montaje, una realización de vértigo y dos interpretaciones soberbias de Daniel Brühl y Chris Hemsworth para una cinta con toda la esencia de la Formula 1.

Crítica en Espinof: 'Rush', la mejor película de Ron Howard

'When We Were Kings: cuando éramos reyes' ('When We Were Kings', 1996)

Dirección: Leon Gast

Reparto: Muhammad Ali, George Foreman, Don King, James Brown, B.B. King

Pocos deportes poseen un halo y una intensidad tan cinematográficas como el boxeo; y pocos eventos pugilísticos tan míticos han conseguido detener el mundo como el "Rumble in the Jungle" que enfrentó a Muhammad Ali y George Foreman a mediados de los setenta. El conocido como el evento deportivo más importante del siglo XX sirvió como pretexto para dar forma a este espléndido documental en el que boxeo, música, política y reivindicaciones raciales confluyen para retratar un pedazo de historia que fue más allá del ring.

'Toro Salvaje' ('Raging Bull', 1980)

Dirección: Martin Scorsese

Reparto: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, Nicholas Colasanto, Theresa Saldana

Jake Lamotta, mito indiscutible del cuadrilátero durante los 40 y los 50, firmó una carrera con unas cifras de escándalo que sumaron 83 victorias —30 por KO—, 4 empates y únicamente 18 derrotas. No es de extrañar que Martin Scorsese extrajese oro de semejante portento deportivo —cuya vida personal estuvo a la altura de las circunstancias—, creando uno de los mejores largometrajes de la historia del cine junto a un Robert De Niro brillante dando vida al púgil protagonista y con una dirección de fotografía en un hermoso blanco y negro firmada por Michael Chapman.

Crítica en Espinof: 'Toro salvaje', luchando contra uno mismo

'Rocky' (1976)

Dirección: John G. Avildsen

Reparto: Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers, Burgess Meredith, Thayer David

Cuenta Sylvester Stallone que la inspiración para escribir el libreto de 'Rocky' —que le hizo justo merecedor de la nominación al Oscar— nació tras ver un combate entre Muhammad Ali y Chuck Wepner. Cuarenta y tres años después del enfrentamiento —y cuarenta y dos desde el estreno del largometraje—, este clásico de culto sigue tan fresco como el primer día gracias a su imperecedera historia de superación personal y a los intachables trabajos de Sly dando vida al entrañable Balboa y de un John G. Avildsen cuya puesta en escena le oscarizó como mejor director en 1977.

'Hoop Dreams' (1994)

Dirección: Steve James

Reparto: William Gates, Arthur Agee, Emma Gates

Una de las mejores películas de la historia es, a su vez, uno de los mejores documentales de todos los tiempos. 'Hoop Dreams' trasciende el inolvidable periplo de los dos chicos afroamericanos de Chicago con aspiraciones de convertirse en profesionales a través del baloncesto universitario para retratar los claroscuros del día a día en la Norteamérica de principios de los noventa. Un relato emocionante y montado con una pericia envidiable que ningún cinéfilo debería dejar escapar independientemente de su afinidad por el deporte.

'El buscavidas' ('The Hustler', 1961)

Dirección: Robert Rossen

Reparto: Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott, Piper Laurie, Myron McCormick, Murray Hamilton

Quién iba a pensar que uno de los mejores dramas deportivos de todos los tiempos fuese a estar edificado sobre una disciplina tan atípica como el billar. El nominado al Oscar Robert Rossen construye entre tacos, mesas, tizas y bolas un relato quintaesencial sobre la cultura norteamericana que encuentra en su eterno Eddie Felson —interpretado por un Paul Newman soberbio— un carismático estandarte difícilmente igualable. Mención especial para la dirección de fotografía en un deslumbrante blanco y negro de Eugen Schüfftan.

Crítica en Espinof: 'El buscavidas' de Robert Rossen

'Foxcatcher' (2014)

Dirección: Bennett Miller

Reparto: Channing Tatum, Steve Carell, Mark Ruffalo, Sienna Miller, Anthony Michael Hall, Vanessa Redgrave

Cinco nominaciones a los Oscar, tres a los Globos de Oro, el premio al mejor director en el Festival de Cannes... El último trabajo hasta la fecha del realizador norteamericano Bennett Miller se ganó el reconocimiento del público y la crítica a nivel internacional, superando ampliamente —bajo mi punto de vista— su anterior drama deportivo 'Moneyball' y capturando de nuevo todo el peculiar estilo y atmósfera que hicieron de 'Truman Capote' una obra maestra; centrándose esta vez en la psique de un personaje con una necesidad irrefrenable de triunfar.

Crítica en Espinof: 'Foxcatcher', terrorífica sutileza

'Los picarones' ('The Bad News Bears', 1976)

Dirección: Michael Ritchie

Reparto: Walter Matthau, Chris Barnes, Tatum O'Neal, Ben Piazza, Vic Morrow, Erin Blunt

Si me piden que recomiende una película sobre béisbol —y que mi adorada 'Entre el amor y el juego' de Sam Raimi me perdone—, es más que probable que mi seleccionada sea la entrañable 'Los picarones'. Cine familiar de primera categoría encabezado por un siempre excelente Walter Matthau y una Tatum O'Neal que llegaba de conquistar el Oscar con tan sólo 10 años, con un fantástico sentido del humor, mensaje y, lo que es más importante, muchos home-runs.

'Million Dollar Baby' (2004)

Dirección: Clint Eastwood

Reparto: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman, Anthony Mackie, Jay Baruchel

Con su clasicista drama pugilístico, Clint Eastwood tocó un nuevo techo en su carrera como director —sólo superado, a mi parecer, por ‘Mystic River’ y ‘Sin perdón’—; algo que la Academia recompensó con cuatro justificadas estatuillas a mejor película, mejor director, mejor actriz principal y mejor actor secundario. Una decisión completamente lógica que no sólo premió a una de las mejores películas de boxeo de todos los tiempos, sino a uno de los largometrajes más brillantes que se han producido en lo que llevamos de siglo XXI.

Crítica en Espinof: Clint Eastwood: 'Million Dollar Baby'

'Red Army. La guerra fría sobre el hielo' ('Red Army', 2014)

Dirección: Gabe Polsky

Reparto: Viacheslav Fetisov, Vladislav Tretiak, Scotty Bowman, Vladimir Pozner

Uno de los últimos grandes fenómenos del documental deportivo fue este 'Red Army', algo que no extraña una vez sabemos que parte de su producción está firmada por el mismísimo Werner Herzog. Un fugaz y divertido entretenimiento que no llega a la hora y media y que, tomando como excusa un deporte tan espectacular como el hockey sobre hielo, nos da una lección sobre política y un retrato particularmente fidedigno de la Unión Soviética de la Guerra Fría.

'El descenso de la muerte' ('Downhill Racer', 1969)

Dirección: Michael Ritchie

Reparto: Robert Redford, Gene Hackman, Camilla Sparv, Joe Jay Jalbert, Dabney Coleman, Karl Michael Vogler

El debut cinematográfico de Michael Ritchie giró en torno a un antológico choque entre el esquivo esquiador David Chappellet —interpretado por un entregado Robert Redford— y su entrenador en el equipo estadounidense Eugene Claire —a quien dio vida un igualmente acertado Gene Hackman—. Pero más allá del reclamo de contar con un dúo estelar en cabeza del reparto, 'El descenso de la muerte' destaca por su espectacular realización de las secuencias deportivas y por el uso de una cámara con un estilo naturalista que prácticamente te hace sentir la gélida brisa de la montaña.

'Tocando el vacío' ('Touching the Void', 2003)

Dirección: Kevin Macdonald

Reparto: Brendan Mackey, Nicholas Aaron, Joe Simpson

Para todos los que no tenemos y la preparación física —y el coraje— suficiente como para poder enfrentarnos a la escalada de un seis mil y no morir en el intento, Kevin Macdonald firmó a principios de siglo esta autentica joya documental ejecutada con una precisión que logra transmitir al espectador todas y cada una de las sensaciones que experimentan sus protagonistas. El dolor, la desesperación, la esperanza, la necesidad de superación, el riesgo... una amalgama de sensaciones que te pega a la pantalla y no te deja escapar hasta que empiezan a circular los títulos de crédito.

'Dogtown and Z-Boys' (2001)

Dirección: Stacy Peralta

Reparto: Tony Hawk, Henry Rollins

Cuatro años antes de que Catherine Hardwicke llevase a la ficción la historia de los Z-Boys en la celebrada 'Los amos de Dogtown', Stacy Peralta dirigió este documental centrado en el primer equipo oficial de skateboard de la historia. Los aficionados al mundo del patín encontraran en 'Dogtown and Z-Boys' una cinta impagable que condensa en una hora y media los orígenes de este deporte tal y como lo conocemos hoy día, y eso incluye los claros y, por supuesto, las partes más oscuras.

'The Endless Summer' (1966)

Dirección: Bruce Brown

Reparto: Robert August, Michael Hynson, Lord James Blears

Con todos ustedes, el mejor documental sobre surf de todos los tiempos. Este largometrjae escrito, dirigido, producido, narrado, fotografiado y montado por el hombre orquesta Bruce Brown se desmarcó formalmente del estilo del género y superó su temática surfera colindando, casi involuntariamente, los terrenos del coming of age tardío. Una experiencia de lo más trascendente redondeada con una banda sonora deliciosa de The Sandals.

'Hoosiers: Más que ídolos' ('Hoosiers', 1986)

Dirección: David Anspaugh

Reparto: Gene Hackman, Barbara Hershey, Dennis Hopper, Sheb Wooley, Chelcie Ross, Fern Persons

David Anspaugh abordó el subgénero deportivo en varias ocasiones con 'El partido de sus vidas' —2005— o la notable 'Rudy, reto a la gloria' —1993—; no obstante, de entre ellas brilla su aproximación al mundo del baloncesto en 'Hoosiers: más que ídolos'. Destaca, por encima de todo, un espectacular reparto encabezado por Gene Hackman, a quien acompaña un Dennis Hopper cuya interpretación de Shooter le hizo merecedor de una nominación al Oscar a mejor actor secundario.

'Ícaro' ('Icarus', 2017)

Dirección: Bryan Fogel

Reparto: Bryan Fogel, Grigory Rodchenkov

La última y flamante ganadora del Oscar a mejor documental mezcla en clave de magnífico thriller el controvertido tema del dopaje en el mundo del ciclismo con la política internacional y demuestra que el cine es una herramienta mucho más poderosa de lo que parece: gracias —en parte— a su impacto, el Comité Olímpico Internacional vetó a Rusia de participar en los últimos Juegos Olímpicos de Invierno, celebrados en Corea del Sur.

Crítica en Espinof: ‘Ícaro’, más que un espectacular documental sobre dopaje es el thriller político más vibrante en años

'El mejor' ('The Natural', 1984)

Dirección: Barry Levinson

Reparto: Robert Redford, Kim Basinger, Glenn Close, Robert Duvall, Wilford Brimley, Alan Fudge

Si antes le veíamos totalmente cómodo en la piel de un esquiador en 'El descenso de la muerte', Robert Redford destaca de igual modo blandiendo el bate de béisbol en esta 'El mejor'. El ganador del Oscar por su dirección en 'Rain Man', Barry Levinson, da forma a un nuevo drama deportivo que explora la mentalidad norteamericana en lo que respecta al triunfo profesional; y lo hace junto a un reparto espectacular que incluye a Kim Basinger, Glenn Close o Robert Duvall.

'Pumping Iron' (1977)

Dirección: George Butler, Robert Fiore

Reparto: Arnold Schwarzenegger, Lou Ferrigno, Franco Columbu, Ken Waller, Mike Katz

Conan el Bárbaro y el Increíble Hulk se vieron las caras en el campeonato de Mr. Olympia de 1975. O más bien lo hicieron los intérpretes que dieron vida a estos personajes en la gran y pequeña pantalla: Arnold Scwarzenegger y Lou Ferrigno. Este fantástico documental explora la rivalidad entre ambos culturistas —aunque da mayor peso al bueno de Arnie— mientras arroja algo de luz ante una disciplina tan poco tratada como el bodybuilding.

Crítica en Espinof: 'Pumping Iron', encontrando el sentido al mundo del culturismo y su éxito internacional

'Warrior' (2011)

Dirección: Gavin O'Connor

Reparto: Joel Edgerton, Tom Hardy, Nick Nolte, Jennifer Morrison, Kevin Dunn, Bryan Callen

Es un auténtico crimen que esta maravilla protagonizada por un Tom Hardy descomunal —tanto física como interpretativamente— no haya pasado por salas en España. Injustamente ninguneada en los Oscars —tan sólo cosechó una nominación a mejor actor de reparto para Nick Nolte—, 'Warrior' abraza sin complejos todos los tópicos del mejor cine de boxeo y los aplica a las artes marciales mixtas, dando lugar a una delicia inesperadamente conmovedora y tan salvaje como un rodillazo en la mandíbula.

Crítica en Espinof: 'Warrior', alud de emociones

Estas han sido mis 27 seleccionadas, y como es probable que discrepéis en alguna de ellas o que creáis que alguna otra película merecería estar en este listado, os invito a que nos hagáis saber cuáles creéis que son las mejores películas deportivas de la historia.

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Parece que a rey muerto, rey puesto... o bueno, en caso de series como 'The Walking Dead' no sabríamos cómo adaptar este dicho. El caso es que AMC está rodando la novena (sí, novena) temporada de la adaptación de 'Los muertos vivientes' y nos hemos encontrado con un personaje que se va... y otro que volverá.

Jon Bernthal, quien interpretase a Shane durante las dos primeras temporadas (y un breve cameo en la tercera), volverá a 'The Walking Dead' durante la temporada 9. Año que, también, veremos la marcha y últimas apariciones de Andrew Lincoln (Rick).

Claro, es una noticia que, aun sin confirmar por AMC, es sorprendente porque Shane está muerto y rematado en su conversión a zombi. Por lo que a partir de aquí son todo elucubraciones sobre qué hará el personaje de Jon Bernthal en la novena temporada.

Si podríamos descartar (o casi) un regreso a la vida, ¿será parte de flashbacks o alucinaciones de Rick como la que tuvo en Woodbury? En ambos casos tengo la impresión de que se va a usar este regreso como vehículo para despedirnos del protagonista de 'The Walking Dead'... ya que da la impresión de que la serie nos enterrará a todos.

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La noticia Sorprendente regreso para 'The Walking Dead': Jon Bernthal se une a la temporada 9 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Movistar+ están en plena maquinaria de promoción de 'El día de mañana' y, sobre todo si estáis en Madrid, seguramente habréis visto carteles gigantes anunciando la serie. La nueva ficción de la plataforma de pago estrenará sus seis episodios el próximo viernes 22.

Además de con Mariano Barroso, del que podéis leer sus declaraciones sobre su trabajo en la serie, también tuvimos oportunidad de hablar con el trío protagonista de la serie: Oriol Pla ('Merlí'), Jesús Carroza ('La isla mínima') y Aura Garrido ('El ministerio del tiempo')

Lo primero que hemos querido saber es sobre cómo se han documentado para hacer esta serie ambientada en la Barcelona de finales de los sesenta y comienzos de los setenta. Oriol nos da las claves:

Por un lado había mucha información que ha venido dada a todos: hay un trabajo de ambientación, de guion, de dirección... hay mucha información básica que nos le hemos encontrado ya en los ensayos. No hemos tenido que investigar muy lejos. En mi caso, pues cómo era Aragón, la industrialización... en el caso de Jesús en la Policía y todo eso.

Creo que el trabajo que hemos hecho más ha sido tener muy claras cuales son las circunstancias políticas, cuáles son los límites sociales de los personajes para poder darle vida a ese presente. Poder ver con los ojos suyos. Sus ojos no tienen ese juicio como nosotros, de la época digo. No son tan conscientes, simplemente ven las oportunidades y cuales son sus límites y quieren vivir, enamorarse, casarse...

Por su parte Jesús Carroza matiza también lo importante que es también meterse en el papel y en la época sin ese juicio, "el contexto histórico es el marco, viven ahí porque les ha tocado vivir en esa época, en ese contexto". Además a la hora de meterse en la Barcelona de los 70 "el rodaje te ayuda mucho. La ropa, el atrezo, llegábamos a comisaria y había cada cosa..."

"Los paralismos son inevitables dentro del equipo" asegura Oriol, "es un buen ejercicio de memoria tanto para nosotros los creadores como para el espectador. Poder ver esta parte, estos personajes que intentan encontrar un hueco, un sitio... ese espejo es interesante."

Posteriormente Aura Garrido completa esta visión sobre 'El día de mañana' y su actualidad:

Es una historia que transcurre en una época muy concreta y se cuenta una época muy concreta, pero que como todas las historias, al final hablan de cosas muy universales y muy comunes que suceden en cualquier época y en cualquier lugar. Lo que pasa es que el telón de fondo y las circunstancias es la época en la que viven.

¿Que podemos encontrar paralelismos, podemos encontrar también espejos en los que mirar lo que está sucediendo ahora, podemos buscar la raíz de cosas que están pasando ahora en esa época y lugar? Sí, pero no es exactamente la misma época y como mujer creo que es obvio.

"Ahí había más barreras de libertad que atravesar y ahora también las hay", completa Oriol hablando sobre si 'El día de mañana' se podría ambientar en nuestro presente. A lo que Aura matiza que "hay muchas cosas que igual no haría falta adaptar demasiado pero siempre habría que adaptar. En todo caso es interesante mirar los espejos del pasado". "El espectador no va a encontrar unos problemas muy lejanos", completa Pla.

Desmontando a Justo Gil

El protagonista de 'El día de mañana' es indiscutiblementen Justo Gil, interpretado por Oriol Pla. Un mozo recién llegado del pueblo que llega a Barcelona dispuesto a comerse el mundo y fingir lo que no es para ganarse un lugar en la ciudad. Un personaje que es todo un enigma que hay que resolver. Según Oriol Pla:

Lo que pasa con Justo, justamente con la novela es eso, que todos lo describen y no sabes muy bien qué piensa. Ya la adaptación del guionista hay una valla que se está saltando. Entonces lo más difícil es cómo mantener un tío que cambia tanto y hace tantas cosas y que tenga una coherencia y que tenga corazón y que lo puedas llegar a querer.

Darle un sentido, una identidad y viajar muy lejos pero llevar al espectador de la mano. y congeniar esas relaciones con cada personaje y responder a esas descripciones que cada personaje hace de justo porque si el guion dice "no, es que Justo era un cateto", pues algo de cateto tiene ue tener. A través del guion y sus definiciones te ayuda a ti a manejarlo.

Y en el caso de Justo en concreto, que tiene ese reto, hay que entenderlo: no juzgarlo desde la interpretación y lo bueno es que al principio le ves más niño, más desamparado, tiene una necesidad mucho más pura que es salvar una madre, el amor materno, ves que es alguien que necesita algo. Entonces, si contamos bien esa necesidad, podemos pasar por todos lados. Porque dices, hostia qué cabrón, lo está haciendo mal, pero entiendo de dónde nace toda esta manipulación. Y ahí está la movida, que es lo guay del personaje decir: "qué mal me cae pero quiero que le salga bien".

Este puzle de personaje, esta descripción tan subjetiva de los protagonistas es, de hecho, una de las cosas que más fascina a Aura Garrido:

Estamos acostumbrados a una narrativa clásica que cuenta la historia de un personaje de una manera más lineal y con una percepción más concreta, que tiene que ver con lo que vivimos día a dia, que tenemos esta percepción egocéntrica que lo que nosotros creemos que es una persona es lo que es.

En realidad no es así: somos poliédricos, tenemos muchas caras, muchas cosas, nadie nos va a conocer profundamente y la única manera de conocer a una persona un poco en profundidad es a través de las máximas miradas posibles. De tener cuanta más información de cómo le perciben los demás, lo que han vivido, los demás, etcétera. En este sentido creo que es interesante una narración así en la que creemos estas cosas de que la percepción siempre es subjetiva.

En la novela, de hecho, conocemos a Justo Gil a través de muchos testimonios, sobre todo los de Mateo Moreno (Jesús Carroza), con el que mantiene una amistad peculiar que, según Carroza, han comprendido mayormente en los ensayos:

Con respecto a nosotros dos, lo que trabajábamos en el ensayo, el guion y eso y es verdad que nos quedábamos con un "vamos a defenderlo y a demostrar que tenemos una amistad tras tantas putadas que se hacen" y es verdad que Mariano [Barroso] lo tenía muy claro y nos decía "por aquí, por allí". Nos necesitábamos, somos huérfanos en ese sentido, están en un "yo te necesitaba a ti porque me presionan por arriba para que les de algo político y tu me necesitas para que te libres del juicio..."

Al respecto, Pla asegura que el reto fue cómo demostrar que pueden ser amigos, qué momentos muestran esa amistad:

Quedamos y creo que nos organizamos muy bien, hicimos todas las escenas, hicimos un buen arco de todos los capítulos: cómo nos intersaba acabar, a dónde queríamos llegar y estuvimos ahí hablando y compartiendo nuestras inquietudes de los personajes.

Viendo esto, lo otro, trabajándolo con Mariano, que también lo tenía muy claro... y luego te centras en rodaje que es lo que nos pasó, que comenzamos con la penúltima escena. Y la última es un follón de escena. La penúltima era que hacía un montón que no se ven... y era el primer día de rodaje. Tenía que estar la mirada lllena de memoria que no habíamos hecho. Nos organizamos un montón y sabíamos qué queríamos contar y que había que defender.

El despertar de Carme

Casi nada más llegar a Barcelona, Justo conocerá a Carme (Aura Garrido), una chica humilde pero que empieza a descubrir todo un nuevo mundo. Aura describe así ese despertar de su personaje:

Tiene que ver mucho con la época, que era una época de la que somos un poco hijos. Nuestras madres son las mujeres que han vivido todo eso. Y después de unos años en los que las mujeres tenían muchas limitaciones, una vida muy limitada y muy decidida por otros en muchas cuestiones, se empezaron a abrir nuevas posibilidades y nuevos caminos y se empezaba a poder abrir rendijas por las que encontrar otras posibilidades vitales y laborales y de todo tipo.

Creo que mi personaje tiene que ver con eso, con esa época y esa experiencia. También tiene que ver con su edad porque ella empieza muy joven y cuando eres muy joven y tienes una vida más familiar y mucho más en el núcleo, en tu localidad, o tu barrio... y a través de Justo va poco a poco conectando o encontrándose con gente de fuera de ese núcleo, abriéndose un poco a todas las posibilidades de la vida y a buscar su propio camino. Entonces yo creo que se mezclan las dos cosas, pero sobre todo la época que tiene que ver con ese camino generacional del que venimos directamente.

Y en este sentido Carme Roman es una chica que empieza siendo muy joven en un núcleo muy familiar, reducido, su barrio, trabaja en el negocio familiar, y tiene como un círculo más cerrado y a partir de conocer a justo, que viene de fuera completamente, geográfica y mentalmente, esa pequeña burbuja se rompe y empieza a entrar en la vida adulta y en el mundo exterior a la vez. Enfrentarse a tomar decisiones, que esas lleven consecuencias, responsabilizarse de ellas y todo lo bueno y lo malo que viene de las elecciones que vamos tomando y de cómo vamos conformando nuestra vida con lo que nos pasa y con ir buscando nuestro lugar en el mundo y nuestra identidad.

A lo largo de la serie veremos a Carme adentrarse en el mundillo del teatro lo cual según Aura fue muy divertido y bonito "hacer un pequeño homenaje a esas primeras veces, esos nervios, esas ganas y todo junto a la vez".

Carme y Justo vivirán una historia de amor ya que, para Aura, "son las personas que más profundamente han conocido el uno al otro (...) ese lugar en el que se miran va a estar siempre". "Están condenados al primer amor", matiza Pla, "intentando buscarlo otra vez y nunca lo van a encontrar."

Si juntamos a los tres protagonistas de la serie vemos esos lugares comunes, sobre todo en su evolución: "yo creo que es de crecer, de pérdida de inocencia, pierden la pureza por el camino. La mirada que tienen al final es más turbia que al principio", asegura Pla.

La nueva era televisiva

También tuvimos un momento para saber qué diferencia veían los actores entre trabajar en una serie de televisión en abierto y trabajar en una plataforma como Movistar. Aura Garrido respondió:

A mí me parece que hay dos cosas en las que lo he notado. Por un lado el presupuesto te compra tiempo en lo audiovisual porque el tiempo es muy caro y cada minuto de rodaje cuesta mucho dinero porque hay muchos trabajadores implicados, muchos materiales, etc. Entonces el presupuesto lo que compra es tiempo y esto te da la posibilidad de tomar una serie de decisiones y enfrentarte a las cosas de otra manera.

Por otro lado el tener todos los capítulos antes de empezar a rodar. Para nosotros es otra cosa, porque es como hacer una peli, que ya sabes cómo va a ir todo y el proceso de ensayos va sobre toda la trama y empiezas a rodar sabiendo todo el arco que vas a hacer que es completamente diferente a estar rodando y a la vez estar leyendo los nuevos guiones y resolviendo la situación sobre la marcha. Y para el equipo también da tranquilidad porque tienes un proceso de preproducción como una peli, lo abarca todo: puedes prever de antemano, muchas menos sorpresas que de costumbre en el rodaje completo de la serie. Y eso da una tranquilidad y una forma de tratar las cosas diferentes... y esa es mi experiencia.

También Oriol Pla habló del futuro en esta nueva era en la televisión y el porvenir de la cultura en España:

La profesión se va reencontrando en esta era de la comunicación cada vez más rápida y efectiva, que ver donde sobrevive ahí lo más puro, lo más poético, porque el exceso de oferta crea mucha confusión. Está lleno de oportunidades pero tenemos que encontrar el camino. Creo que España tiene que cambiar su sistema cultural y dejar de dar por el culo a la cultura de esta forma que es un ataque a la inteligencia y el sentido crítico. Y si no quiere tener sentido crítico será por algún motivo.

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'The Sinner' fue una de las mayores revelaciones de la temporada televisiva 2017/2018 y en USA Network dudaron muy poco a la hora de renovarla por una nueva tanda de episodios. En esta ocasión no contará con la presencia en su reparto de Jessica Biel, quien sí ejerce como productora, tal y como podemos comprobar en el intenso e inquietante tráiler de su segunda temporada.

El que sí regresa en esta segunda temporada es el personaje interpretado por Bill Pullman, quien vuelve al pueblo de su infancia para investigar un caso bastante peculiar: un niño de 11 años ha asesinado a sus padres. Su objetivo será desentrañar qué le llevó a cometer los crímenes, siguiendo así la misma línea a que vimos en el caso de Cora (Biel) en la anterior tanda de episodios.

Una de las grandes novedades de la segunda temporada es el fichaje de Carrie Coon, una de las protagonistas de 'The Leftovers', para dar vida a Vera, un personaje clave en el devenir de la historia. También merece la pena destacar las adiciones al reparto de Natalie Paul, Elisha Henig y Hannah Gross, vista en la primera temporada de 'Mindhunter'.

USA Network estrenará la segunda temporada de 'The Sinner' el próximo 1 de agosto, aunque en España la veremos en Netflix a partir de una fecha aún por anunciar. Lo más probable es que no pueda subir los episodios hasta que haya acabado de emitirse en Estados Unidos.

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Hoy se emite en FOX España el último episodio de 'Legion', el final de la segunda temporada, una semana después que en Estados Unidos (y por tanto, una semana después de su llegada a Internet). La serie fue renovada antes de la season finale así que, como en la mayoría de ficciones televisivas, falta esa emoción inherente al desenlace de una historia, sabes que todo "continuará", pero hay sorpresas.

En realidad, el gran giro sorpresa del "Capítulo 19" es algo que se ha ido construyendo desde el principio de la serie, tal como explicó Noah Hawley, creador de esta original, estimulante y divertida adaptación del cómic de Marvel. En su segunda temporada comprendemos el gran plan de Hawley al narrar la historia sobre David Haller, alias Legión. Si no estás al día con la serie no sigas leyendo porque hay SPOILERS de los últimos episodios...

Al final de la primera temporada, el Rey Sombra es derrotado y expulsado de la mente de David (Dan Stevens) pero encuentra otro huésped en Oliver (Jemaine Clement) gracias al cual puede huir, llevándose también consigo a Lenny (Aubrey Plaza). Un final más o menos feliz para David y Syd (Rachel Keller) que era interrumpido bruscamente cuando el mutante era atrapado en una misteriosa esfera. Al inicio de la segunda temporada, todo ha cambiado para David.

Su regreso genera desconfianza, ha desaparecido más tiempo del que puede explicar, así que David se encuentra aislado, intentando demostrar que no es un peligro para los demás y que puede ayudar a encontrar al villano. Y entonces llega el gran giro que pone en marcha esta temporada: David mantiene contacto con una versión de Syd que viene del futuro y que le habla de una gran amenaza para el mundo. Algo tan poderoso que van a necesitar la ayuda de su viejo enemigo, el Rey Sombra.

Desde ese encuentro, aun sin conocer el cómic original en el que se basa la serie (escrito por Chris Claremont e ilustrado por Bill Sienkiewicz), cabe sospechar lo que hay detrás de la petición de Syd y por qué no aclara a qué se enfrentan en el futuro. Se confirma más adelante, cuando la Syd del futuro habla con el mismísimo Rey Sombra, Amahl Farouk, que por fin ha revelado su verdadero rostro en esta segunda temporada (Navid Negahban).

David es LA amenaza. O eso parece: la serie ha jugado tanto con la realidad, el delirio y la manipulación mental, que podría ser un engaño. Al fin y al cabo es el protagonista, aunque no sea perfecto, debe ser el héroe. Sin embargo, tras el complicado plan para detener a Farouk, que éste recupere su cuerpo y tenga lugar ese fantástico duelo en el desierto, la duda es aclarada al mismo tiempo que Syd descubre la verdad: David está realmente enfermo y es muy peligroso.

'Legion' se revela como la fascinante historia sobre la génesis de un (gran) villano

Hawley ha dicho que 'Legion' se inspira en 'Breaking Bad' y ahora que sabemos cómo termina la temporada 2 queda claro que la serie está narrando la transformación de David en un gran villano. Y es fascinante. No sólo es un personaje con conflictos y habilidades que dan mucho juego para crear una historia visualmente interesante; David se ha tragado uno de esos polluelos negros, y tiene la ilusión de que es el heroe. Por tanto, todo lo que hace está justificado.

¿Y por qué? Por amor. Es una gran excusa. "Soy una buena persona, merezco amor", repite David para evitar la realidad. Intentando recuperar el estado mental que, por fin, le estaba haciendo feliz. Después de tocar fondo y ser internado en un hospital psiquiátrico, se enamoró de Syd y descubrió que era un poderoso mutante, atrapado por un parásito. La salida estaba clara: vencer al malo y quedarse con la chica. Pero sus problemas van más allá de Farouk, son más profundos, crueles y trágicos. Y al exponerlo, el episodio 2x11 deja un momento muy desagradable.

Lo que hace a Syd, desesperado por salvar la relación (que necesita), no sólo le deja en evidencia; conociendo el poder de David, obliga a replantearse todo lo que ha pasado entre ellos desde que se conocieron. La bonita historia de amor se ha transformado, casi imperceptiblemente, en abuso. Seguramente, sin vuelta atrás. Durante toda la segunda temporada, Syd ha estado gestando una versión más madura e independiente, y por fin entiende el paso que debe dar.

'Legion' podría haber tirado por lo fácil y matar a Syd para desviar el camino de David (es lo que señalaba sobre 'Deadpool 2' y la polémica del "fridging"). De hecho, en algún momento parece que Syd será objeto de algún tipo de violencia que podría desestabilizar a David. Lo que ocurre es mucho más interesante: Syd descubre la verdad sobre David y decide convertirse en la heroína de la historia. Y David es, sin duda, el villano.

Al menos, por ahora. Viendo cómo a Noah Hawley le gusta jugar con las fronteras del bien y el mal, y explorar las circunstancias que llevan a los personajes a cruzar ciertos límites, o el hecho de que Farouk pueda manipular a quienes le rodean, es posible que la tercera temporada siga tomando rumbos inesperados.

Es una gran noticia para los fans de los relatos de superhéroes y de la fantasía en general que exista un entretenimiento tan raro como 'Legion', que a pesar de ponerse dramática, no deja de ser una serie muy divertida y elegante. Sólo queda confiar en que no se extenderá más de lo necesario y ofrecerá un cierre tan memorable como los dos finales de temporada que hemos visto hasta ahora.

Antes de concluir el artículo, quiero dejar tres vídeos que demuestran lo especial que esta serie, en la que los personajes prefieren bailar a pelear o el narrador interrumpe la trama para desorientar al espectador y colocarle en la misma situación que los personajes, invitándole a reflexionar sobre su propia existencia y realidad. El último es quizá el más ingenioso, trasladando la metáfora de la caverna a nuestros días:

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Al igual que otras tantas —tal vez la inmensa mayoría de ellas—, las reglas impuestas por la tiranía del género están ahí para romperlas. De la aplicación de esta máxima han terminado surgiendo algunos de los largometrajes más estimulantes de todos los tiempos, en los que la hibridación y la huída de los marcos temporales, espaciales, argumentales y estilísticos habituales han aportado frescor y abierto abanicos de infinitas posibilidades.

Probablamente, una de las categorías que más se ha beneficiado de todo esto sea la del western, cuyas huidas del Salvaje Oeste de finales del siglo XIX y sus escarceos con otros territorios, culturas y épocas han permitido que permanezca casi inalterable a lo largo de sus más de cien años de historia.

Con su nuevo trabajo, cuyo título, 'Western', se muestra como una férrea declaración de intenciones, la realizadora alemana Valeska Grisebach traslada a la frontera bulgaro-griega contemporánea todas las señas de identidad del género para retratar la realidad sociopolítica y económica de la zona a través de la seca mirada de un cowboy alemán en un relato cautivador, absorbente y magistralmente dirigido.

En sus dilatados y, por momentos, arrítmicos cien minutos de duración, 'Western' replica a su manera el arquetípico argumento de las "películas del oeste" en el que un grupo de colonos emigraba a unas tierras extranjeras en las que tendría sus más y sus menos con los locales, a priori hostiles y recelosos de los recién llegados y de sus intenciones.

De este modo, Grisebach traslada a su variopinto grupo de obreros germanos a la Bulgaria rural para rodearles de unos hermosos parajes naturales, verdes y vivos —en contraste con los parajes desérticos y polvorientos propios del western—, en los que la sensación de amenaza constante añade densidad a una atmósfera que se eleva como la verdadera protagonista del filme.

Además de remarcar sus fuentes de referencia, el título de 'Western' alude a la condición de su taciturno y parco en palabras personaje principal, llegado a un territorio ajeno desde occidente para tratar de encontrarse a sí mismo estableciendo vínculos con la naturaleza y los lugareños en un viaje interior mucho más trascendente que cualquiera de los conflictos "terrenales" que plantea la cinta.

Con todos estos ingredientes, la directora aporta una mirada única, personal y rebosante de estilo al género; sorprendiendo su sensibilidad y acierto al analizar y representar la masculinidad, y triunfando plenamente al frustrar un anticipado estallido de violencia, condensando su clímax en otro más de la infinidad pequeños detalles que convierten 'Western' en una emocionante joya que no entiende de etiquetas ni cánones preestablecidos.

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La noticia 'Western' retuerce los códigos del género para dar lugar a una joya única en su especie fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .